El conde Estruch

El fin de la Roma pagana

2012-01-25T10:57:00.000Z

FABIOLA (1949)

La Roma pagana está llegando a su fin, vientos de cambio de avecinan. Las tropas de Constantino marchan hacia Roma para derrocar a Majencio que vive aferrado al poder.
La religión cristiana se expande, ya nadie cree en Júpiter tonante ni en las deliciosas curvas de Venus ni en Marte.
El paganismo se ha convertido en leyendas, La religión emergente lo arrasa todo pese a que el emperador se preocupa en deshacerse de ella inútilmente.
Un patricio quiere liberar a todos sus esclavos para abrazar el cristianismo, una ida más austera y justa le espera pero al resto de los patricios no les hace hacia la idea. La abolición de la esclavitud supondría el fin de sus privilegios y la muerte del mundo en que vivían.
Fabiola, la película de Alessandro Blasetti rodada en 1949 nos habla de ello.

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La noche de San Bartolomé

2012-01-24T11:40:00.001Z

LA REINA MARGOT

Que yo sepa nunca en la historia ha tenido lugar una batalla, una guerra ni una matanza en nombre de Satanás, el maligno, pero en nombre de Dios ¡cuantas!
Cruzadas, Guerras Santas, la conquista de América, etc. Recordamos aquí la matanza de San Bartolomé en Francia, año 1845. El número de muertos se estima en total en 2.000 en París y de 5.000 a 10.000 en toda Francia. Hombres, mujeres, niños, ancianos fueron masacrados sin darles la opción de defenderse. Lo dicho.

La Reina Margot en Diario de Cine

Cuando China despertó

2012-01-24T11:35:00.002Z

THE FOUNDING OF A REPUBLIC

El nacimiento de una República, la República Popular de China. Un film propagandístico, una hagiografía de Mao, un líder mitificado por los progresistas europeos tan proclives a olvidar sus errores. Es decir a los 45 millones de chinos que fallecieron en su régimen.
De todas formas es interesante la información que aporta esta película.

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Una película insólita

2012-01-23T14:34:00.001Z

QUEEN FROM OUTER SPACE (1958)

He visto fragmentos de esta insólita película y digo fragmentos porque tuve que acelerar el mando del DVD para que acabara lo antes posible. Jo, menudo engendro.
Al principio aparecen unos astronautas que llevan los mismos uniformes de Planeta prohibido, era tradición en aquel tiempo (hablo del año 1958) reutilizar material de una película en otras. Ya se sabe que al quemarse Atlanta en Lo que el viento se llevó se quemaron los decorados de King Kong para terminar de amortizarlos y dejar sitio a los auténticos de la célebre y mítica película melodramática por todos conocida.
En el peplum italiano y español de los sesenta era muy habitual y no digamos de los famosos westerns spaghetti rodados en Almería, Colmenar Viejo y Esplugas de Llobregat que siempre eran los mismos.

Pero a lo que íbamos. esos astronautas viajan al espacio para viajar a Venus en donde se encuentras además de unos decorados horteras y absurdos unas chicas minifalderas que ¡oh, milagro! hablan inglés.
En aquella época las minifaldas aparecían en los peplums italianos llevadas tanto por hombres como por mujeres, por cierto mucho más atractivos y atractivas, que las mozas de ese engendro.
Mary Quant no la había inventado por lo que las mujeres no la solían llevar por la calle bajo pena de ser tratadas de furcias.
No más bajar se encuentran con las mozas que hablan todas inglés, como iba diciendo, ¿dónde diablos lo habrán aprendido? ¿porqué no ruso o malayo? La reina de este planeta ya que al parecer no hay naciones, ni pueblos, ni ciudades, es una tía histérica que lleva el rostro desfigurado y como ningún hombre le echa un buen polvo odia al género masculino y lanza rayos para destruir estaciones espaciales, naves y entre sus siniestros planes planea destruir la tierra. Las demás mujeres la siguen de forma bobalicona pero como los astronautas son atractivos e imagino que tendrán un buen rabo se rebelarán contra la déspota y acabarán todas ligadas.
El director de esa cosa se llama Edward Bernds, autor de las gracias de The Three Stoges. Detrás está la Warner (?) y entre los autores de ese argumento aparece nada más y nada menos que Ben Hecht, autor del guión de Primera Plana. Abbott y Costello rodaron previamente un film similar Abbott y Costello go to Mars, en la que los despistados astronautas viajan a Marte y aterrizan (o avenunizan) en Venus. Claro que al tratarse de una payasada el desatino tiene su lógica, pero hacerlo pasar como un film serio es ya un auténtico disparate. Imagino que habrá gente que encima nos dirá que eso es una obra maestra y los demás somos todos tontos.

Mulán se fue a la guerra

2012-01-23T10:26:00.000Z

HUA MULAN (2009)

Para amantes del cine épico hemos visto una buena película china, Hua Mulan con Zhao Wei. Se trata de una leyenda o historia medieval, china está dividida por clanes que luchan ferozmente entre sí. El emperador exige que los hombres vayan a la guerra, uno por familia, para defender sus intereses. Mulan suplanta la personalidad de su padre, se hace pasar por hombre y acude al frente convirtiéndose en el general que manda las tropas aunque con
numerosos sacrificios y penalidades.
A diferencia de la versión edulcorada de la Disney, dirigida a un público distinto, la nueva adaptación nos da una visión adulta del personaje mucho más complejo y real.
Resultado una película épica que con el tiempo se convertirá en todo un clásico.

Comentarios en Diario de Cine

Gong Li

EL NUEVO CINE CHINO

Las últimas películas de Zhang Yimou. Las flores de la guerra,
Amor bajo el espino blanco.
Información en Diario de Cine

La fundación de la República, o cómo se construyó la República Popular de China con Jackie Chan
Información en Diario de Cine

Zhang Ziyi en Roma
Información en Diario de Cine

Legendary Amazons (2011), la gran aventura épica del cine chino.
Información en Diario de Cine

Lo último de Gong Li
Shanghai (2010)
Información en Diario de Cine

Mulan, remake con imagen real
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Comentarios sobre la película ya vista

El enigma de la mujer Papa

2012-01-20T16:58:00.000Z

LA PAPISA (2009)

En una época oscura, el siglo IX, apareció la leyenda de que una mujer muy culta se hizo pasar por hombre y ocupó la silla de San Pedro.
¿Verdad, mentira? De hecho ningún historiador sabe nada al respecto. Los contemporáneos nada dicen, la Iglesia lo niega y al parecer todo queda en una narración ficticia.
Una cosa es cierta, pero cuando se celebra un cónclave, un médico forense tiene que examinar al elegido para testificar si pertenece al género masculino.
El pánico a que una mujer sea nombrada papa aún subsiste y es una de las cada vez más escasas barreras que quedan por derribar.
La película alemana que nos ocupa ha padecido una distribución pésima y un trato injusto. Convendría darle una oportunidad.
Más detalles en Diario de Cine

Para fans de los anillos y los hobbits

2012-01-17T20:26:00.002Z

NACIDO PARA LA ESPERANZA

El importante éxito de la trilogía de El Señor de los anillos, dirigida por Peter Jackson que está actualmente rodando dos precuelas. motivó que varios aficionados a las mismas rodaran algunos mediometrajes basados en pasajes olvidados de la novela original de Tolkien.
Así Nacidos para la esperanza (2009) nos cuenta el nacimiento de Aragorn, el futuro rey, dirigida por Kate Madison. Una película modesta pero muy simpática en la que unos apasionados cinéfilos intentan hacer buen cine con muy pocos medios.
A la caza del Gollum (2009) de Chris Bouchard ya muestra al héroe Aragorn adulto, en una aventura inmediatamente anterior a La comunidad del anillo que termina donde la trilogía comienza.

Leer más:

NACIDO PARA LA ESPERANZA
A LA CAZA DEL GOLLUM

Inicio del dossier sobre las Tierras Medias en DIARIO DE CINE

Personajes: Christopher Lee, Andy Serkis, Elijah Wood, Evangeline Lilly, Cate Blanchett,

Películas de animación: El Señor de los Anillos (1978), The Hobbit (1977), The Return of the King (1980)

Cine ruso en Diario de Cine

2012-01-15T19:18:00.000Z

1612

Violetta Davydovskaya

Siguiendo el ciclo de cine ruso (de momento no es soviético) incluimos una película histórica, 1612, dirigida en el año 2007 por el director Vladimir Khotinenko.
Se trata de una cinta épica que fue encargada por el Kremlin, ambientada en los años posteriores a la desaparición de Ivan IV el Terrible. Tras un gobierno fuerte que supuso la unificación de Rusia, vinieron zares menores que acabaron asesinados y sucedidos por un impostor extranjero que en la película es derrocado de forma violenta.
La película tiene secuencias muy curiosas como la presencia de un mercenario español que, según la visión rusa, somos un pueblo que va por la vida diciendo palabrotas y negándonos a comer pescado de río (?). ¡Ay, no saben lo que es un buen salmón! ¿No hay salmones en Rusia?
Uno de los sueños eróticos del protagonista es el recuerdo de cuando niño espiaba a la princesa Kseniya Godunova (Violetta Davydovskaya, en la foto de arriba) cuando se baña en el río teniendo su primera erección.
En fin, una película de aventuras que nos muestra paisajes, gentes, costumbres, decorados menos vistos en las pantallas actuales.
El mensaje político es evidente. Tras la caída del comunismo, un sistema fuerte, ha venido el caos, el desmembramiento de la Unión Soviética dividida en varias Repúblicas que se declararon independientes, la miseria y la corrupción.
En fin, un buen título que conviene sacar del olvido. En Hollywood se hace muy buen cine, pero en el resto del mundo también.

1612 de Vladimir Khotinenko

El zar de todas las Rusias

2012-01-15T11:20:00.001Z

EL ZAR (2009)

Ramilya Iskander y Piotr Mamonov

Hay gente que dice que el poder emana de pueblo, cree en la democracia y en la libertad. Otros dicen que es Dios, el gran creador, quien otorga el poder al monarca absoluto para que decida los destinos de su pueblo. Así han pensado casi todos los reyes, zares, emperadores y demás dictadores que hemos padecido durante siglos.
Uno de esos déspotas se llamaba Iván IV de Rusia, apodado el Terrible. En 1944 Sergei M. Eisenstein rodó Iván El Terrible, buscando un cierto paralelismo de éste con el camarada Stalin, entonces presidente de la Unión Soviética.
Dos años después rodó su segunda parte, La conjura de los boyardos que fue prohibida por la censura, que además cortó el rodaje de la tercera, Las batallas de Iván.

En 2009 nos llegó El zar de Pavel Lungin. Desgraciadamente el cine ruso tiene pésima distribución en España, debida a circunstancias que ya he hablado y sobre las que no voy a insistir. En esta cinta conoceremos los hechos que sucedieron tras el final del díptico de Eisenstein y de paso quien fue la segunda zarina, Mariya Temryukovna (Ramilya Iskander en la foto), hubo unas siete durante su reinado, de la que se nos cuenta poco ya que según historiadores era musulmana convertida a la ortodoxia, analfabeta y manipuladora que falleció en el trono a los 25 años. La zarina Mariya fue quién sugirió la creación de los Oprichniks (los perros del zar) para salvaguardar la seguridad del tirano. Consiguió el trono por su cara bonita, nunca mejor dicho, porque cuando el zar la vio por vez primera se quedó prendado de su belleza y la convirtió en su esposa y en zarina de todas las Rusias.

VER EL ZAR, MÁS COMENTARIOS

Drácula y los focos

2012-01-12T14:07:00.004Z

CURIOSA FOTO

DIARIO DE CINE

La seducción de Joan Collins

2012-01-10T16:50:00.000Z

TIERRA DE FARAONES

Tierra de faraones es una de las mejores películas del mundo faraónico, de la locura de un hombre que no duda de sacrificar las vidas de toda una generación en la creación de una pirámide de proporciones inmensas para llevarse sus bienes terrenales al mundo de los muertos.
En ella se luce una de las más grandes vampiresas del mundo del cine, Joan Collins, en el papel de la pérfida Princesa Nellifer que se convirtió en un personaje antológico. Collins, nacida el 23 mayo 1933, en Paddington, Londres, Inglaterra, a una edad madura protagonizó la serie Dinastía en el papel de una madura sexy. Era una “mala” que se convirtió en archipopular llegando a aparecer completamente desnuda a una edad en que las mujeres se han convertid en “invisibles” luciendo figura con más de cincuenta años a sus espaldas.
Los cinéfilos de mi generación la adoramos profundamente.

TIERRA DE FARAONES EN DIARIO DE CINE

Julio Verne fue convertido en zarzuela

2012-01-08T10:47:00.002Z

LOS SOBRINOS DEL CAPITÁN GRANT

Esta noche a las 10 horas en el segundo canal de RTVE está programado Los sobrinos del capitán Grant, inspirados en una novela de Julio Verne de gran éxito, y que nosotros recordamos por una versión de Walt Disney en 1962 con Maurice Chevalier y Hayle Mills, Los hijos del capitán Grant. La trama original trataba de una botella aparecida en el interior de un tiburón en donde el desaparecido marino indica sus coordenadas. Malinterpretadas por Paganel, el maestro y tutor de sus dos hijos, viajan a la Patagonia pero en realidad su ubicación está en los Mares del Sur.
Con la ayuda de un marino de la Armada Inglesa, amigo de Grant, vivirán grandes aventuras con terremotos y piratas. Otra versión de la popular novela data de 1938, Deti kapitana Granta, rodada en la Unión Soviética con el gran Nikolai Cherkasov de protagonista.
En 1977 RTVE produjo una versión televisiva de Los sobrinos del capitán Grant protagonizada por Narciso Ibáñez Menta y José Maria Prada con algunos efectos que recuerdan las fantasías de George Meliès y Segundo de Chomón. Versión olvidada por los públicos actuales.

Es una novedosa zarzuela en cuatro actos, con letra de Miguel Ramos Carrión y música de Manuel Fernández Caballero, estrenada en el Teatro Príncipe Alfonso de Madrid, el 25 de agosto de 1877, por la compañía de Arderíus. Julio Verne publicó la obra original diez años antes y Ramos Carrión la adapta en forma de viaje alrededor del globo terráqueo, respetando los escenarios básicos de la novela Los hijos del capitán Grant, pero insertando elementos familiares al público español: una riqueza de ambientes, que van desde lo castizo a lo exótico. El Teatro de La Zarzuela de Madrid estrenó en 2001 la lujosa, fresca y divertida versión teatral de Paco Mir, en tres actos y dos partes, que ahora se vuelve a representar.

Los hijos de la novela original, María y Roberto, pasan a ser sobrinos de pacotilla en la zarzuela, Soledad, una bailarina y Escolástico, un joven seminarista; el capitán de Glasgow, Juan Mangles, queda como el incitador subteniente retirado Mochila. Los mecenas Elena y su esposo Lord Glenarvan se convertirán en Miss Ketty y su tío Sir Clyron, rebajado de su rango aristocrático; Santiago Eliacín Francisco María Paganel, secretario de la Sociedad Geográfica de París y miembro de las Sociedades Geográficas de numerosas ciudades, quedará reducido al despistado doctor Mirabel.

Lo grandioso de la obra de Verne se convierte en casero en Ramos Carrión y es significativo que el escenario original de la novela, situado en Glasgow, se convierta en el madrileño patio de una casa de vecindad y el fiero tiburón que guarda en sus entrañas la botella con tres documentos pase a ser un más doméstico y apetitoso besugo.

LOS SOBRINOS DEL CAPITÁN GRANT

Libro de Miguel Ramos Carrión.
Dirección musical: José Miguel Pérez-Sierra.
Dirección de escena: Paco Mir.
Escenografía: Jon Berrondo.
Figurines: Anna Güell.
Iluminación: Eduardo Bravo
Coreografía: Mudit Grau.
Intérpretes: Millán Salcedo (Mochila); Milagros Martín (Soledad); Xavi Mira (Escolástico); Fernando Conde (Dr. Mirabel); Richard Collins-Moore (Sir Clyron); María Rey-Joly (Miss Ketty); Eliel Carvalho (Jaime); Ballet, actores y figuración; Coro del Teatro de la Zarzuela.
Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro de La Zarzuela.
Coro del Teatro de La Zarzuela (director: Antonio Fauró).
Producción del Teatro de La Zarzuela (2001).
Edición a cargo de Xavier de Paz (Ediciones Iberautor, Promociones Culturales SRL/Instituto Complutense de Ciencias Musicales, 2002).

(Fuente RTVE)

Se han publicado las deliberaciones del Nobel de 1961

2012-01-06T14:55:00.000Z

UN GENIO SIN NOBEL

John Ronald Reuel Tolkien

La "pobre", en opinión de la academia del Nobel de Literatura, prosa de J. R. R. Tolkien fue lo que le impidió al universal autor de El señor de los anillos lograr el prestigioso galardón, allá por el año 1961, informa el diario The Guardian.
Tolkien, que nunca ganó el Nobel, fue descartado en aquella ocasión porque, según uno de los académicos, "no está en modo alguno a la altura de la narración de alta calidad".
Estas deliberaciones se han conocido ahora, una vez se han cumplido los 50 años de rigor que tradicionalmente establece el Comité antes sacar a la luz los debates previos a la concesión del premio.
Junto con Tolkien, aquel año fueron descartados para el máximo galardón de las letras universales el novelista Lawrence Durrell o el poeta Robert Frost. Finalmente, el premio fue a parar a Ivo Andrić, conocido entre otros títulos por su novela Un puente sobre el Drina.

CRÓNICAS DE LAS TIERRAS MEDIAS PARA "DIARIO DE CINE"

La mayor orgía del cine

2012-01-03T11:27:00.003Z

EL PERFUME

800 figurantes en el Poble Espanyol de Barcelona rodaron la mayor orgía de la Historia del Cine. ¿Queréis saber más? Pues clicad en el enlace.

EL PERFUME, HISTORIA DE UN ASESINO

Se edita en DVD el planeta de los simios japonés

2012-01-02T15:58:00.004Z

EL APOCALIPSIS
DEL PLANETA DE LOS SIMIOS

¿Os acordáis de este artículo que provocó oleada de visitas? Pues acaban de anunciar su edición en DVD en España.Al menos dejará de ser una película inédita en neustro país.

En Tema Distribuciones darán razón.

Nuevas tradiciones

2011-12-31T15:21:00.000Z

EL SENYOR DELS NASOS

En Tarragona, cada año, el día 31 de diciembre aparecía por las calles de la ciudad el "home dels nasos" (el hombre de la nariz) que tiene tantas narices como días faltan para terminar el año, es decir una.
Esta tradición ha sido importada a Reus, apareciendo el simpático narizotas paseando por las calles de la ciudad acompañado por unas gralles (una orquestina). Casualmente me he topado con él y le he sacado fotos con el móvil, aquí le tenéis.

Un clásico de la Hammer

2011-12-30T13:05:00.001Z

DRÁCULA
VUELVE DE LA TUMBA

En 1968, la Hammer rodó esta estimable cinta de terror con el gran Christopher Lee pero nos escatimaron al gran Fisher. En aquella época se puso de moda utilizar a Fisher para atacar al resto de directores de la productora británica. En Diario de cine somos más justos.

DRÁCULA VUELVE DE LA TUMBA EN DIARIO DE CINE

Balance de un año

2011-12-29T15:57:00.001Z

EL CINE DE 2011

Gemma Arterton

2011 nos ha traído de todo. Insospechados éxitos como El origen del planeta de los simios de Rupert Wyatt, por la que nadie apostaba, y Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio del irregular Steven Spielberg. Capitán Trueno y el Santo Grial ha sido el fiasco del año, un título esperado durante décadas para resultados pobres.
Otro irregular que nos da una de cal y otra de arena, Woody Allen, ha firmado una de sus mejores obras: Midnight in Paris.
En la calle hemos vivido una realidad dura, cruel, la crisis y el paro de escándalo. Como respuesta el movimiento 15 M ha sacado a la calle a millares de españoles y con razón. También a las fuerzas represoras del Estado pretendidamente "democrático".
Nos han dejado muchas amistades. Juan Piquer Simón, cuya biografía acaba de aparecer, y figuras históricas del cine: Peter Falk, la mona Chita, Elizabeth Taylor, Susannah York, Marie Schneider, John Barry, Jane Russell, Annie Girardot, Amparo Muñoz y otros que no olvido pese a no citarlos.
El buen cine nos ha dejado excelentes títulos como Pa Negre de Agustí Villaronga, No tengas miedo de Montxo Armendáriz, Cisne negro de Darren Aronofsky, Dios salvaje de Roman Polanski, Chico & Rita de Fernando Trueba, y también fracasos que son mejor olvidar.
Este 2012 lo afrontamos con temor y esperanza, pero desde aquí deseamos lo mejor a todo el mundo.

Chita ha fallecido a los 80 años

2011-12-28T13:13:00.001Z

ADIÓS CHITA

: Chita se ha reunido con sus compañeros de reparto

La popular mona Chita, que protagonizó en los años 30 y 40 doce películas de Tarzán, falleció en el refugio de animales The Suncoast Primate Sanctuary de Palm Harbor (Florida, EE UU) a causa de un fallo renal, ha informado esta institución.
El fallecimiento se produjo el pasado 24 de diciembre, según informa esa fundación en su página web, donde ha puesto a disposición de los fans de la mona Chita un apartado para dedicarle un último adiós.
La famosa acompañante de Tarzán, que tuvo cerca de una decena de chimpancés que la sustituyeron en rodajes de secuencias de la saga, recibió en 2006, con motivo de su 74 cumpleaños, un homenaje y el premio Calabuch por sus méritos artísticos en el Festival Internacional de Cine de Comedia de Peñíscola.
La mona Chita era el chimpancé más viejo del mundo, según el Libro Guinness de Récords. En su retiro, Chita pintaba con frecuencia. Uno de sus principales estímulos era el entusiasmo de su cuidador, Dan Westfall, convencido de la calidad artística de las obras. De hecho, registró sus creaciones y las entrega a los donantes que colaboran con el mantenimiento de la reserva.

Chita en sus últimos años

Felicitación

2011-12-24T14:33:00.000Z

NAVIDAD EN DIARIO DE CINE

Beyoncé, Britney Spears y Pink gladiadoras

2011-12-24T14:25:00.001Z

EL ANUNCIO DE LA PEPSI

Beyoncé, Britney Spears y Pink gladiadoras

Tarsem Singh es un director de cine hindú, nacido en Jalandhar, India, especialista en spots publicitarios y clips musicales. Autor de la lamentable Immortals (2011), lo es también de un spot de la Pepsi Cola, con las cantantes Britney Spears, Pink, Beyonce como gladiadoras en un circo romano y Enrique Iglesias como César donde si, la ambientación es perfecta pese al carácter paródico del mismo, todo lo contrario de su engendro de reciente estreno que es inaceptable.

Mensaje a mis amables visitantes

2011-12-23T18:51:00.002Z

QUE SEÁIS MUY FELICES

Diario de Cine

El criminal más famoso vuelve

2011-12-13T16:51:00.003Z

¿PARA CUANDO

EL NUEVO FANTOMAS?

El director francés Christophe Gans vuelve a la carga con una adaptación de la serie Fantomas.50 millones de presupuesto, la película se rueda en 3D. Jean Reno es el nuevo Juve, el enemigo del villano, y Vincent Cassel adoptará los múltiples disfraces de tan perverso personaje. En Diario de Cine hemos publicado unos comentarios sobre tan célebre archicriminal.

FANTOMAS 1913 - 1914

Navidad en Portaventura

2011-12-10T08:38:00.001Z

EL BOSQUE ENCANTADO

En Portaventura, un parque temático que tengo a escasos kilómetros de mi domicilio, ha llegado la Navidad y la apertura de un apartado llamado El Bosque Encantado con duendes, hadas y encantamientos.

Subo estas imágenes para daros a conocer ese apartado lugar que sólo se abre en fechas navideñas y está cerrado el resto del año.

“Vicky el Vikingo y el martillo de Thor” (2011)

2011-11-15T13:59:00.001Z

AMAZONAS Y VIKINGOS

El día 2 de diciembre se estrena Vicky el Vikingo y el martillo de Thor (2011), una película de carácter infantil basado en una antigua serie de televisión. Me ha llamado la atención de que aparezcan amazonas, una de mis leyendas preferidas. Aquí incluyo un par de fotos.

Recuerdo de un amigo

2011-11-15T13:49:00.001Z

PIERROT PRESENTÓ

"ESTRUCH" EN COCO

Hace 20 años que se publicó mi novela Estruch, que tanto ha dado de hablar, sobretodo en Tontopedia, digo Gilipedia o como se llame.

Recuerdo con gran cariño la presentación en la sala de fiestas cocó, donde actuaba el showman y amigo Pierrot. Fue un acto muy entrañable.

Una anécdota enviamos invitaciones a todos los Estruch que encontramos en la lista telefónica.

Debajo el texto que aparecía al dorso de la foto de arriba. Un recuerdo que guardo con mucho cariño.

El regreso de las catorce amazonas

2011-11-12T15:33:00.001Z

AMAZONAS DE LEYENDA

Hace tiempo que os hablé de Catorce amazonas., una producción épica china. Jackie Chan acaba de producir un remake dirigido por Frankie Chan.
Cecilia Cheung es su protagonista. En Diario de Cine China hay más detalles.
A juzgar por el trailer la cosa promete porque pinta muy bien.

Diario de Cine abre un blog

2011-11-07T18:27:00.002Z

BLOG DIARIO DE CINE

La web Diario de Cine acaba de abrir un blog en Wordpress para noticias en las que sea necesaria la inmediatez. Sus señas son las que siguen:

BLOG DIARIO DE CINE

Os esperamos...

Superman Returns en TVE

2011-11-07T18:21:00.001Z

EL ESPERADO

Y POLÉMICO REGRESO

Superman Returns fue plato predilecto el domingo por la noche. Un film discutible y discutido porque tras casi dos décadas de espera reemprendió la serie de películas iniciada por Richard Donner en 1978.

CRITICA EN DIARIO DE CINE

La película fue tratada de forma harto dura, pero e tiempo coloca a cada cual a su sitio y si está lejos de la altura del filme original tampoco es el bodrio que se nos quiso hacer creer.

Gollum reaparece en el Hobbit

2011-11-06T14:27:00.007Z

ANDY SERKIS

VUELVE A SER GOLLUM

Andy Serkis es el actor de moda, sin duda alguna el heredero de los Lon Chaney, Bela Lugosi, Boris Karloff y Christopher Lee de antaño- En las precuelas de El Señor de los Anillos, The Hobbit volverá a su personaje pero aún no sabemos si será Smeagol o el siniestro Gollum que le ha dado fama.

REGRESO A LAS TIERRAS MEDIAS

La nueva elfa de Peter Jackson

2011-11-06T14:18:00.003Z

EVANGELNE LILY

EN LAS TIERRAS MEDIAS

Evangeline Lilly, una de las protagonistas de la exitosa serie Perdidos, es uno de los últimos fichajes de Peter Jackson para El Hobbit, la precuela de El Señor de los Anillos que ya se rueda en Nueva Zelanda. Evangeline interpretará a "un personaje nuevo", una elfa silvana llamada Tauriel. "Su nombre significa hija del Bosque Negro".
Fue el director quien, a través de su página oficial de Facebook, anunció la contratación de la actriz, que encarnó a la inolvidable Kate en la adictiva serie de J.J. Abrams Lost.
El Hobbit: Un Viaje Inesperado se estrenará el 14 de diciembre de 2012 mientras que la segunda entrega, El Hobbit: Partida y Regreso llegará a las pantallas de todo el planeta el 13 de diciembre de 2013.

CRÓNICAS DE LAS TIERRAS MEDIAS

El rodaje de "The Hobbit"

2011-11-04T10:52:00.002Z

CHRISTOPHER LEE

EN LAS TIERRAS MEDIAS

Continúa el rodaje de El Hobbit, en dos partes, el rostro de nuestro admirado Christopher Lee volverá aparecer. Refelexionando, recuerdo que es uno de los raros actores, por no decir el único, que llevo toda la vida viendo en pantalla y eso que ya soy sesentón.

Pero Lee es ya más que un acto, es un amigo.

Diario de Cine Tierras Medias

Lo último de Jackie Chan

2011-10-30T19:56:00.002Z

NACIMIENTO DE

LA REPÚBLICA POPULAR DE CHINA

Jackie Chan es un cineasta todoterreno protagonista de una serie de películas que tiene su pública aficionado al kung fú y artes marciales. En los últimos años ha diversificado su oferta y se adentra en dos producciones ambiciosas. 1911 (2011) que él mismo ha dirigido trata de las revueltas que convirtieron China en una república.
Con La fundación de la República (2009) nos cuentan la historia más reciente de tan inmenso país y de cómo llegaron a él los actuales gobernantes.

Más información en:

http://www.diariodecine.es/ssnoticias2.html

Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio

2011-10-28T07:50:00.003Z

UNA GRAN ADAPTACIÓN

La película más esperada del año, Las aventuras de Tintín de Steven Spielberg. Muchos temen un fracaso pero no, se trata de una de las mejores películas del director de Encuentro en la tercera fase y una recreación perfecta del mundo de Hergé.

Se utiliza la técnica del mo-cap, la Motion Capture. Unos actores se visten con un traje de captura que llevan unos sensores que captan todos sus movimientos, incluyendo los faciales, para llevarlos al ordenador y después traspasarlos a unas figuras creadas con personajes informáticos.

Andy Serkis, el Gollum de la trilogía El señor de los anillos, de King Kong y El origen del planeta de los simios, es un gran especialista en esta técnica. Aqui interpreta al famoso capitán Haddock y su antepasado el capitán Fernando de Hadoque con auténtica maestría. Se está convirtiendo en todo un icono del nuevo género.

La película es muy dinámica, a veces excesiva, pero mantiene toda la atención en cada plano hasta su desenlace abierto para una secuela puesto que ya ocurría así en el comic original en que se basa el guión que respeta todos los personajes y situaciones que desde décadas han cautivado a los lectores de todo el mundo.

Destaca también la forma que tiene la película en encadenar las secuencias, utilizando unas transiciones muy imaginativas. Los personajes son todos ellos entrañables pero los secundarios eclipsan al protagonista. Tintin, desde su concepción en el comic, tiene pocos matices ya que Hergé no nos cuenta nada ni de él ni de sus amoríos. Por eso la atención se centra más en el malencarado capitán Haddock, borrachín y pendenciero, enseguida llega al corazón del público que suele ponerse de su parte y reirle las gracias así como a los desastrosos detectives Dupont, Fernando y Hernando, toda una desgracia para la profesión y padres espirituales del inspector Clouseau que bordó Peter Sellers.

Es posible que durante los próximos meses Las aventuras de Tintín se convierta en la película de moda, que durante décadas la veremos convertida en todo un clásico, un referente para los espectadores de más corta edad que acudirán ilusionados a su proyección como nosotros devorábamos sus aventuras editoriales que permanecen impertéritos en nuestra memoria colectiva.

Leer más: http://www.diariodecine.es/ssarticulos5.dwt

La novela "Estruch" se publicó hace 20 años

2011-10-20T19:21:00.000Z

20 AÑOS DE "ESTRUCH"

Hace 20 años, en el Café de Reus fue presentado por el escritor Domènec Solé mis dos novelas Estruch y La Sombra de Hitchcock. En otro país hubiera sido un inicio, pero en España como los distribuidores se quedan con todo el dinero y no liquidan causó que este acontecimiento no tuviera continuidad. Una estafa fue la causa de que las aventuras del conde Estruch no tuviera continuidad.

Aún así, el recuerdo es entrañable.

20 años atrás en el Café de Reus

Próxima apertura

2011-10-15T10:45:00.002Z

DIARIO DE CINE

http://www.diariodecine.es/

DIARIO DE CINE

Próxima apertura

Morbo francés

2011-10-10T22:02:00.002Z

EL TRÍO INFERNAL (1974)

Mascha Gomska, Michel Piccoli, Romy Schneider

El trío infernal es una de esas películas que se estrenaron en los últimos años, no en España, del franquismo y que por culpa de una prohibición se tuvo que ver en las patéticas excursiones para ver cine prohibido en Biarritz o Perpiñán.

De no ser por estas circunstancias posiblemente hubiera pasado desapercibida porque promete más de lo que da. Un relato algo inconexo carente de ritmo muestra por otra parte una atmósfera malsana, sórdida.
Un abogado sin escrúpulos y sus dos amantes, dos hermanas que comparten cama y crímenes con él buscando enriquecerse con la muerte ajena. Uno de los episodios es sórdido mostrando el asesinato de una pareja y muy detalladamente la forma de deshacerse de los dos cadáveres descomponiéndolos en unas bañeras repletas de ácido sulfúrico. Posteriormente la mezcla resultante es llevada en cubos para enterrarlas detrás de unos arbustos. Girod se recrea en la hediondez con todo detalle.
Actualmente, acostumbrados a películas duras, ya no nos llama la atención.

El trío infernal. Director: Francis Girod Intérpretes: Andrea Ferreol, Hubert Deschamps, Mascha Gomska, Michel Piccoli, Monica Fiorentini, Romy Schneider Título en VO: Le trio infernal Año: 1974. Duración: 106 min. Clasificación: Sin definir Género: Terror Color o en B/N: Color Guión: Francis Girod, Jacques Rouffio Fotografía: Andreas Winding
Música: Ennio Morricone

Cómo destrozar un buen texto en cinco lecciones

2011-10-10T18:48:00.001Z

LOS TRES MOSQUETEROS (2011)

Películas sobre los tres mosqueteros se han hecho a decenas, llegando al centenar como mínimo si se tienen en cuenta de que Alejandro Dumas y sus "negros" publicaron tres novelas inmensas repletas de toda clase de follones y malandrines varios. Bien esa novela original sobre los herretes de la reina y la posterior venganza de Milady, así como la aventura final del hombre de la máscara de hierro han dudo mucho jugo al celuloide y recordamos auténticas obras maestras con Gene Kelly o Douglas Fairbanks, también parodias más o menos divertidas con los hermanos Ritz o Cantinflas.

Pero también nos hemos encontrado con muchas películas de pésima calidad, subproductos rodados de prisa y corriendo, con menguados presupuestos en la que sus autores hacían lo que podían poniendo mucha buena voluntad que se estrellaba ante la evidente falta de medios.

Pero en la actualidad se rueda lo que podríamos denominar "bodrios de lujo", son películas que tienen un gran presupuesto, infinidad de medios y que disponen de excelentes equipos artísticos y sin embargo se hunden con películas en las que la inteligencia brilla por su ausencia.

Como los caciques de Hollywood se creen que son todos unos genios y el resto de la humanidad una manada de asnos para darnos lecciones se dedican a asesinar todo el material que cae en sus manos y en este caso las víctimas han sido los mosqueteros y su lances de capa y espada. ¿Qué les hemos hecho a esos capitalistas de las majors, probablemente residentes en Nueva York para que nos castiguen de esa forma tan cruel? Hablamos de Hollywood olvidando que el dinero y las decisiones importantes vienen de la ciudad de los rascacielos o de Tokyo que es donde está el dinero. Es posible que los inversores de esos engendros nunca haya pisado la ciudad de los sueños, sólo piensan en recuperar (legítimamente) la inversión y nada más.

Respecto a la película que nos ocupa nos encontramos con la pareja más sosa que he visto en años, Logan Lerman (D’Artagnan) y Gabriella Wilde (Constance). La chica más alta que el chico, pero no vamos a ser machistas y punto en boca. Pero sus escenas no tienen "feeling" y no despiertan interés.

El argumento es absurdo, con secuencias de combates aéreos saltándose por el foro los textos de Dumas tal vez poco comerciales para el inexistente intelecto de las majors.

La película es un cúmulo de piruetas, saltos y tonterías con los personajes completamente desdibujados y carentes de gracia.

El montaje es catastrófico, todo avanza de forma atropellada sin orden ni concierto.

Los actores son prácticamente inexistentes, sólo los dobles salvan el honor.

Milla Jovovich y Orlando Bloom se divierten de lo lindo haciendo de villanos, aunque la película les da escasas oportunidades de lucir su talento histriónico.

Además nos amenazan con una segunda parte gracias a ese final abierto y que no voy a desvelar. Hay secuencias como la ambientación de Venecia (?) y París que son sensacionales, pero es obra del departamento de efectos visuales no del equipo creativo que falla por todos los lados. Sí, la película tiene buena factura pero pésimo guión. Más o menos como la mayoría de los blockbusters actuales.

Los tres mosqueteros (2011). Título original: The three musketeers. Dirección: Paul W.S. Anderson. Países: Alemania, Francia, Reino Unido y USA. Año: 2011. Duración: 110 min. Género: Acción, aventuras, romance, histórico. Interpretación: Logan Lerman (D’Artagnan), Orlando Bloom (duque de Buckingham), Ray Stevenson (Porthos), Matthew Macfadyen (Athos), Milla Jovovich (Milady de Winter), Luke Evans (Aramis), Juno Temple (reina Ana), Christoph Waltz (cardenal Richelieu), Mads Mikkelsen (Rochefort), Til Schweiger (Cagliostro). Guion: Alex Litvak y Andrew Davies; basado en los personajes creados por Alejandro Dumas. Producción: Paul W.S. Anderson, Jeremy Bolt y Robert Kulzer. Música: Paul Haslinger. Fotografía: Glen MacPherson. Montaje: Alexander Berner. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. Vestuario: Pierre-Yves Gayraud. Distribuidora: Aurum. Estreno en Alemania: 1 Septiembre 2011. Estreno en España: 30 Septiembre 2011.

Milla Jovovich

La mujer orquesta del fantástico

2011-10-09T11:09:00.002Z

PRISCILLA HERNÁNDEZ

En Mallorca Fantástica pude encontrarme con mi adorada amiga de mirada vivaz y sonrisa radiante Priscilla Hernández, lleva tiempo dedicada al fantástico como cantante, escritora y diseñadora entre otras cosas. He traído aquí parte de sus obras para que la podáis ver. Es una chica fantástica como podéis comprobar. una chica de gran vitalidad e imaginativa.

Priscilla Hernández y Salvador Sáinz

Canal de Videos Musicales

Arte de Priscilla Hernández

XV aniversario de Lara Croft

2011-10-05T12:47:00.002Z

EXPOSICIÓN SOBRE

TOMB RAIDER

Tomb Raider se lanzó en octubre de 1996, y desde entonces su protagonista, Lara Croft, se convirtió en un icono de la cultura popular y los videojuegos.
Con motivo del acontecimiento, ocho artistas han realizado ilustraciones sobre la saga, comenzando con Andy Park, ilustrador de los cómics del juego y conocido por su trabajo en la saga God of War. La exposición terminará con una imagen de Toby Gard, a finales de mes.
"Es la oportunidad perfecta de celebrar la historia de Tomb Raider mirando al prometedor futuro", ha comentado Karl Stewart, director global de la marca de Crystal Dynamics. "No podemos esperar a mostrar la interpretación única de los artistas de lo que significa Lara Croft".
Además, los artistas firmarán en la New York Comicon, el 14 de octubre.

Cantina de Portaventura

2011-10-03T10:02:00.001Z

LA MUERTE VIVA

"La muerte viva", espectáculo en la Cantina de Portaventura

grabado el día 2 de octubre de 2011.

Mallorca Fantástica 2011

2011-10-02T19:37:00.001Z

4ª EDICIÓN DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE FANTASÍA

4ª Edición del Festival Internacional de Fantasía,

Ciencia-Ficción y Terror
MALLORCA FANTÀSTICA
“La Fantasia es viu a Inca”
Fechas: del 5 al 9 de OCTUBRE de 2011
Lugar: Inca
PROGRAMA
5 de Octubre:

20'30 h. Inauguración Exposiciones MALLORCA FANTÀSTICA 2011 en Inca, que permanecerán abiertas al público hasta y durante la Feria del Dijous Bo.

Exposición PELÍCULAS PINTADAS de Roig de Diego (Café Mercantil de Inca)

Exposición Mallorca Fantàstica y El Arte de Imaginarios (calles del Centro de Inca): Super Montaje Artístico con 80 obras de género fantástico de gran formato (2'5 m.). Incluye "El Arte de Imaginarios. Federación Española de Fantasía Épica/Red de Universidades", y "Temptations" de Enrique Toribio, patrocinadas por Mallorca Fantástica Editors. Demonios, hadas, dragones y todas las criaturas míticas y legendarias invadirán las calles del Centro de Inca haciendo de la ciudad un mundo imaginario lleno de color y fantasía. El centro de Inca se convertirá en una enorme exposición de arte de género fantástico de gran formato. Coordinador: Biel Pol.

Presentación de los libros de Mallorca Fantàstica Editors: Los Mundos de Nerba, de Marisol Moreno Serrano, y Cuentos Desde el Espejo, de Cristina Puig Argente. Coordinación: MF Editors.

6 de Octubre:

18'00 h. Proyección de Cortometrajes MF 2011. Desde las 18’00 h. hasta las 21’00h. Modalidad Café Film, en Café Mercantil de Inca. Coordinación a cargo del director de cine Marcos Cabotá (Biznaga de Plata en Festival de Málaga 2011).

Proyección de los cortometrajes seleccionados el próximo jueves 6 de Octubre de 2011, en el marco de la 4ª Edición del Festival MALLORCA FANTÀSTICA, en la modalidad de Café Film en el Café Mercantil de Inca, desde las 18 h. hasta las 21 h. en sesión continua.

THE ASTRONAUT ON THE ROOF

-Sergi Portabella

THE THING IN THE CORNER

-Zoe Berriatua

MATAR A UN NIÑO

-José y César Esteban Alenda

CENA PARA DOS

-Miguel Ramiro

LA ULTIMA SECUENCIA

-Arturo Ruiz Serrano, Toni Bestard.

BRUTAL RELAX

-Adrián Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz

(se advierte al público que el contenido de este film, galardonado como el mejor cortometraje Nacional en la XXI Semana de Cine Fantástico y de Terror de Donosti-San Sebastián 2010 y premio del público y mención especial del jurado en el XXIX Festival de Cine de Terror de Molins de Rei, puede herir la sensibilidad del espectador y que la Organización de Mallorca Fantàstica recomienda su visionado sólo a mayores de 18 años)

7 de Octubre:

Presentación del libro Guía Completa QUE LA FUERZA TE ACOMPAÑE del Universo Star Wars, del Señor Buebo.

Gran Gala de los Premios MALLORCA FANTÀSTICA, en Café Mercantil de Inca.

· 21:00 Recepción y Photo-call, con las maravillosas Karinae Tribal Troupe, en la Plaza de España, frente a Café Mercantil. Coordinadora de Photocall y RRPP: Mari Nova.

· Exhibición de Lucha de Espadas en la Plaza de España, coordinador Emmanuel Danet.

· Ceremonia de Entrega de los Premios MALLORCA FANTÀSTICA, un evento lleno de glamour que convoca anualmente a las personalidades más relevantes del mundo socio-cultural de las Baleares, donde se hará entrega de los Trofeos Anfisbena con los que se reconoce la labor de personas, empresas e instituciones que apoyan la Fantasía y la Excelencia. El Premio de Honor de MALLORCA FANTÀSTICA 2011 es el multipremiado director de cine Daniel Monzón. Se ruega a los asistentes acudir vestidos de etiqueta. (Coordinación: Sandra Llabrés Donadieu).

8 de Octubre, en la Plaza de España de Inca, desde las 10’00 h. hasta las 19’00 h.:

Mercadillo Temático

Actividades Mundo Fantasy, apartado Manga-Anime a cargo de Shinigamis de Mallorca y apartado Warhammer a cargo de Club Age of War.

A las 20.00 h.: Taller de creación literaria, a cargo de Gabriel Mestre Oliver y Pere Morey, (respectivamente, Premio MF 2010 de Literatura y Premio MF 2011 de Literatura), con la coordinación de Biel Matamalas. (Café Mercantil de Inca).

Realización de textos literarios de ficción: conceptos básicos y aplicación. Los asistentes tendrán la oportunidad de adquirir los libros de Gabriel Mestre y Pere Morey, dedicados por sus autores.

9 de Octubre en la Plaza de España de Inca, desde las 10’00 h. hasta las 19’00 h.:

Mercadillo Temático

Actividades Mundo Fantasy, apartado Manga-Anime a cargo de Shinigamis de Mallorca y apartado Warhammer a cargo de Club Age of War.

Actividades Infantiles a cargo de Maria Bimbolles y su amigo el Drac Siurell.

17'00 h. Presentación del libro Ba'lé yaroh de Vicente Martí Cardona, a cargo de MF Editors.

Taller de Iniciación al Tiro con honda, a cargo de la Federación Balear de Tir de Fona.

19’30 h. Presentación del libro Apocalipsis Island, de Vicente García –Dolmen Editorial. Café Mercantil de Inca.

21’30 h. Gran Performance de los Demonios "Infierno de MALLORCA FANTASTICA", a cargo de los Demonios de Inca y Terra de Somnis, y Apocalipsis Island, y los zombies de Mallorca Zombies Walk, como Clausura del Festival en Plaza de España de Inca. Coordinador: Martí Arbona Morell.

Películas Pintadas, de Roig de Diego, para MALLORCA FANTÀSTICA 2011.

Entrada libre y gratuita

Día: 5 de Octubre a las 20:30 h.

Lugar: CAFÉ MERCANTIL de Inca.

Halloween Portaventura 2011

2011-10-02T18:10:00.001Z

LOVE FOR VAMPIRES

Foto: Salvador Sáinz

Portaventura celebra Halloween como cada año y nos ofrecen espectáculos vampíricos. Este mediodía he visto uno, Love for Vampires. Debajo algunas secuencias del mismo.

El síndrome 2001

2011-09-30T15:40:00.000Z

EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011)

Nos encontramos con una película que a más de uno ha dejado perplejo. Atrae, fascina o repele dependiendo de gustos o del estado de ánimo. Pero una cosa es sencilla, a nadie dejará indiferente. Un estilo visual que a ratos parece cine amateur en 8 mm o las antiguas películas de la Nouvelle Vague cámara en mano que de tanto moverse a más de uno le ha causado mareo.

El árbol de la vida es una reflexión sobre la vida y la muerte, retrato de una familia de arraigadas creencias cristianas y con un padre que se excede en su fe obsesiva que le lleva al despotismo. Encima al cabo de un buen rato de metraje aparecen secuencias sobre la creación de la vida en nuestro planeta con algunas planos de animación digital con lagartos antidiluvianos. Algo así como los hombres simiescos de 2001 de Kubrick.

Durante la proyección te puedes quedar fascinado por sus imágenes balbuceantes o repelido por tanta cámara mareante pero en muchos planos transmite una inquietud profunda sobre nuestro breve paso por este planeta triste y desquiciado.

Brad Pitt se esfuerza en romper su imagen hollywoodense y demostrar que también puede luchar por un proyecto tan arriesgado como éste, pero a costa de varias deserciones a lo largo de la proyección al que le faltaría una buena poda en la sala de montaje. Cinta excesiva en todos los sentidos tiene un algo que incita a la curiosidad, que interesa y atrapa al mismo tiempo aunque a veces se tenga la sensación de estar perdiendo el tiempo.

La metafísica ya no está de moda en nuestro planeta y es un discurso trasnochado, aunque aún no erradicado de nuestro subconsciente.

El árbol de la vida. Título original: The tree of life. Dirección y guion: Terrence Malick. País: USA. Año: 2011. Duración: 141 min. Género: Drama. Interpretación: Brad Pitt (Sr. O’Brien), Sean Penn (Jack), Jessica Chastain (Sra. O’Brien), Fiona Shaw (abuela), Irene Bedard (mensajera), Hunter McCracken (Jack joven), Laramie Eppler (R.L.), Tye Sheridan (Steve). Producción: Dede Gardner, Sarah Green, Grant Hill, Brad Pitt y William Pohlad. Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Emmanuel Lubezki. Montaje: Mark Yoshikawa. Diseño de producción: Jack Fisk. Vestuario: Jacqueline West. Distribuidora: Tripictures. Estreno en USA: 27 Mayo 2011. Estreno en España: 16 Septiembre 2011. Apta para todos los públicos.

Crónicas de la América oculta

2011-09-27T08:02:00.001Z

SALLY HEMING

LA HISTORIA DE UN ESCÁNDALO

Por casualidad veo dos telefilmes en una noche que tratan de lo que podríamos llamar la América Oculta o mejor dicho la otra cara de los Estados Unidos de Norteamérica. Un país del que siempre hemos sufrido una impresionante propaganda mostrándolo como el más liberal del mundo, lo que dista mucho de la realidad.

En estas dos visiones nos encontramos a las brujas de Salem de la que ya me ocuparé más adelante y del caso de Sally Heming, la esclava del tercer presidente de los Estados Unidos Thomas Jefferson, uno de los padres de la patria que redactó el Acta de Independencia de los Estados Unidos (4 de julio de 1776) en la que se decía:

Sostenemos como evidentes estas verdades: que todos los hombres son creados iguales; que son dotados por su Creador de ciertos derechos inalienables; que entre éstos están la vida, la libertad y la búsqueda de la felicidad; que para garantizar estos derechos se instituyen entre los hombres los gobiernos, que derivan sus poderes legítimos del consentimiento de los gobernados; que cuando quiera que una forma de gobierno se haga destructora de estos principios, el pueblo tiene el derecho a reformarla o abolirla e instituir un nuevo gobierno que se funde en dichos principios, y a organizar sus poderes en la forma que a su juicio ofrecerá las mayores probabilidades de alcanzar su seguridad y felicidad.

Este presidente, que fue anteriormente embajador de Francia durante la Revolución francesa, de la que evidentemente no aprendieron nada, tuvo una esclava "negra", en realidad cuarterona. La mezcla de razas produce hijos mulatos si la mezcla es del 50%, los hijos de un mulato con un blanco producen los "cuarterones" y los hijos de éstos con otro blanco un "octavón".

Sally Heming, una cuarterona, se convirtió en la amante del político "padre de la patria" y tuvieron siete hijos "octavones" de piel tan clara que podrían pasar por blancos. El telefilme de dos episodios no es desagradable, visualmente es correcto pero pobre. Su puesta en escena es blanda.

Se centra más en el escándalo que supuso esa relación sexual fuera del matrimonio (Jefferson era viudo) que los adversarios políticos utilizaron para desprestigiarle poniendo en evidencia la hipocresía de la nueva nación que si bien promulga la libertad, la igualdad y la justicia estaba fundada sobre la esclavitud, el puritanismo, el clasismo más feroz, la mentira.

Aqui es donde el telefilme funciona pese a su blandura estilística.

La historia de los Estados Unidos es cruel, inhumana, falsa. Bajo su aparente resplandor esconde la más depravada de las miserias como la España de los Austrias y la Inglaterra imperial. Las escenas que retratan la esclavitud tienen poca fuerza, parece que sus autores han evitado la crudeza en busca de la comercialidad.

Lo que retrata es triste, lamentable e indignante. Si hubiese tenido más valentía hubiera sido una miniserie mejor pero es pedir demasiado para un espectáculo que sólo se interesa por hacer caja y sacar el mayor posible de dólares en sus cuentas corrientes. No es mala serie, pero podría haber sido mucho mejor.

Título original: Sally Hemings: An american scandal . Director: Charles Haid. Productor: Marty Eli Schwartz, Gerrit van der Meer. Género: Drama. Año: 2000. Origen: EE.UU. Duración: 180 minutos. Intérpretes: Sam Neill, Carmen Ejogo, Mare Winningham.

Análisis comparativos de dos filmes

2011-09-24T19:48:00.001Z

PIGMALION (1938)

MY FAIR LADY (1964)

George Bernard Shaw

George Bernard Shaw (Dublín, 26 de julio de 1856 – Ayot St. Lawrence, Hertfordshire, 2 de noviembre de 1950) fue un escritor irlandés, ganador del Premio Nobel de literatura en 1925 y del Óscar en 1938. A finales de los sesenta, Narciso Ibález Serrador rodó un episodio de la serie Los premios Nobel, dedicándole un episodio al autor inglés, siendo su ilustre padre Narciso Ibáñez Menta quien encarnó la figura que nos ocupa.

En 1916 Shaw estrenó Pigmalión, basado en un antiguo relato de Ovidio con el mismo título, inspirados a su vez en un mito griego. Pigmalión, rey de Chipre, construye una estatua tan bella de la que se enamora, Galatea, y los dioses le dan la vida para que pudieran contraer matrimonio.

La obra de Shaw trata de un profesor de fonética, Henry Higgins, que para ganar una apuesta enseña dicción a una florista paleta que encuentra en Convent Garden, Londres. Shaw tenía la teoría de que los ingleses no sabían hablar correctamente su idioma, que destrozaban de forma brutal. Por eso, Higgins apuesta que en seis meses enseñaría a la florista Eliza Doolitle a hablar correctamente y hacerla pasar por una gran dama en sociedad. Finalmente gana la apuesta pero el trato que le sometió era insoportable, por lo que Eliza acaba por marcharse y casarse con Alfred, un galancete que le ronda desde hace meses.

Shaw ironiza con sabiduría de la condición de la mujer y del clasismo británico. Tanto Henry Higgins, como Eliza Doolitle y Alfred Doolitle, su padre, son personajes clásicos del teatro inglés muy codiciados por todos los actores y actrices en activo. En España el papel de Higgins fue interpretado con brillantez por José María Rodero y en adaptaciones posteriores por Alberto Closas.

Es curioso, pero a mí me gusta más el padre del padre de la chica, un hombre extremadamente pobre pero con una peculiar filosofía de la vida.

Leslie Howard y Wendy Hiller

En 1938 Pigmalión fue llevada al cine bajo dirección de Leslie Howard y Anthony Asquith, el primero encarnó a Higgins y Wendy Hiller a Eliza. Wilfrid Lawson es el padre de la chica, el peculiar basurero Alfred. Aunque basada en la obra se añadieron escenas nuevas escritas por Shaw que al colaborar con el guión pudo recibir el Oscar al mejor guionista por parte de la Academia de Hollywood. Se añadió el baile en la embajada de Transilvania y se cambió el final, Eliza se queda con el profesor Higgins ya que al vivir juntos durante seis meses descubren al separarse que no pueden vivir separados.

Muchos críticos consideran que este nuevo final es una traición a la obra, pero lo acerca más al texto de Ovidio. Esta obra tiene para mí dos momentos sensacionales que son lo mejor de su contenido. La primera de estas escenas es cuando Alfred Doolitle se presenta en el domicilio de Higgins a exigirle dinero por quedarse con su hija. Ya que él la engendró, aunque vivan separados porque se desentendió de ella, tiene derecho a participar del "negocio" que la chica hace al irse a vivir a casa de un caballero bien situado. El basurero expone unas teorías curiosas sobre la vida que dejan a Higgins completamente perplejo.

La segunda escena es cuando Eliza se escapa del domicilio de Higgins tras ganar la apuesta. Quiere volver a Covent Garden con sus antiguos compañeros y éstos no la reconocen. En aquel momento Eliza ya no sabe cual es su sitio en este mundo y experimenta una sensación de total desconcierto.

Aunque es una producción británica modesta realizada con cierta premura y sencillez, la película tiene sus muchos puntos atractivos.

Wendy Hiller y Leslie Howard

La sobriedad de la puesta en escena es muy de agradecer. Howard es un Higgins algo atolondrado que contradice la imagen flemática del personaje que hemos visto en otras interpretaciones.

Tras fallecer Shaw en 1950, el productor Gabriel Pascal que había adquirido los derechos para cine de varias obras del escritor inglés, entre ellos Pigmalión, encargó al escritor Alan Jay Lerner una versión musical del texto, encargándole la música a su socio Frederick Loewe.

La tarea fue ardua, con numerosas dificultades. finalmente falleció el productor y el banco Chase Manhattan se quedó como gestor de la obra y de todas las posesiones de Pascal. No estaban interesados en el proyecto, pero tiempo después cambiaron de opinión y le dieron luz verde.

Como Higgins se pensó en Noel Coward, polifacético hombre de teatro, pero este acabó por renunciar y recomendó a Rex Harrison. Para Eliza fue llamada una actriz y cantante nueva prácticamente desconocida, Julie Andrews, y el veterano Stanley Holloway fue su padre Alfred.

Rex Harrison y Julie Andrews

My Fair Lady tuvo 2717 representaciones en el Teatro Mark Hellinger de Nueva York tras una gira pre-Broadway, cifra considerada un éxito sin precedentes. Corría el año 1956 en que se realizó semejante hazaña. En 1958 la compañía se trasladó a Londres en el Theatre Royal de Drury Lane con 2281 representaciones más pulverizando las taquillas y convirtiendo la obra en un clásico incontestable.

El éxito motivó que la Warner, sobretodo su ejecutivo Jack Warnes mostrara interés por llevarla al cine pero cometió el error más grande de toda su carrera, sustituir a la actriz protagonista Julie Andrews por considerarla desconocida en el mundo del cine por no haber rodado nunca una película.

Audrey Hepburn y Julie Andrews

Se llamó a la gran Audrey Hepburn para el papel cinematográfico de Eliza, ante las protestas de todo el mundo incluyendo a la propia Audrey que creyó injusta la decisión de Jack Warner. Finalmente terminó por acceder para evitar que el jugoso papel cayera en manos peores, como Elizabeth Taylor. Rex Harrison y Stanley Holloway repitieron de nuevo sus dos papeles que les habían encumbrado.

A pesar de la gran valía de la lujosa versión dirigida por George Cukor, My Fair Lady (1964), considerado uno de los mejores musicales de todos los tiempos, dejó mal sabor de boca a mucha gente que en ella participó. A la actriz principal, Audrey Hepburn tras grabar con su propias cuerdas vocales las canciones fue doblada por Marnie Nixon (la voz de Natalie Wood en West Side Story), otra decisión injusta del señor Warner, que provocó gran malestar en la actriz y con razón. Por ese motivo no fue nominada al Oscar por su Eliza cinematográfica porque el reglamento de la Academia prohibe que un actor doblado sea nominado.

El rodaje tuvo lugar en los estudios Warner y no en Londres. A pesar de que los decorados tienen gran calidad tiene detalle discutibles como por ejemplo la mansión extremadamente lujosa del profesor Higgins con un enjambre de criados cuando se supone que su condición económica es modesta y encima no se le ve trabajar en ningún momento salvo con Eliza.

La película obtuvo varios Oscars pero el de actriz principal lo recibió la despreciada Julie Andrews, que hubiera sido perfecta para el papel cinematográfico de Eliza, por su papel en Mary Poppins. Jack Warner tuvo que soportar burlas y bromas el resto de sus días por su errónea decisión.

Audrey Hepburn y Rex Harrison

Con todo hay que reconocer la gran creación de Audrey en el papel de Eliza. Sobretodo los primeros momentos en Covent Garden cuando habla como una paleta de acento cockney, muy difícil de imitar. En la versión de 1938 antes aludida, apenas era perceptible el acento pese a que se había rodado en estudios londinenses más acostumbrado a oír tan castizo acento.

Rex Harrison está genial como Higgins y sobretodo destaca Stanley Holloway en el papel de padre de Eliza. Ese basurero gorrón, borrachín y pendón de vida libertina es un personaje fuera de lo común y su secuencia con Higgins para pedirle dinero es lo mejor de la película.

En fin, nos encontramos ante un clásico incontestable. Una película redonda que tal vez hubiera sido mejor con Julie Andrews y sin la pomposidad hollywoodense. Una auténtica obra de arte que uno ve una y otra vez sin cansarse, terminando por aprenderse los diálogos de memoria. Es como si fuera una de las películas de mi vida pero es con toda justicia una de las mejores que he visto en mi vida cinéfila.

Un remake desdibujado

2011-09-24T14:56:00.002Z

DIABÓLICAS (1996)

Les diaboliques (1954), de Henri George Clouzot, con Simone Signoret y Vera Clouzot, es uno de los clásicos incontestables del cine negro francés que obtuvo un éxito mundial. Naturalmente Hollywood cuando pudo hacerse con los derechos rodó su versión, creyendo superar en calidad y éxito al título original, pero los resultados están muy lejos de sus pretensiones.

Diabólicas (1996) no es una mala película ni mucho menos, pero no tiene la calidad del clásico francés. Sharon Stone e Isabelle Adjani son dos mujeres en teoría enemistadas, la amante y la esposa de un tirano, de un machista empedernido. Ambas realizan un pacto contra natura para deshacerse del hombre que comparten cama. En el filme original se hablaba de una relación lésbica de ambas mujeres, pero en realidad no es más que una insinuación. En el título que nos ocupa poco queda de esta visión. Los ultrapuritanos Estados Unidos sienten grima de mostrar el amor entre dos personas del mismo sexo por lo que no se puede profundizar en dicha relación.

Sharon Stone e Isabelle Adjani

Al frente del reparto nos encontramos a dos actrices importantes. Sharon Stone, afamada por su Instinto básico y su cruce de piernas, unida a la francesa Isabelle Adjani que estaba en la cúspide de la fama y que después se volvió una actriz reservada de escasas apariciones en pantalla.

A la película le falta fuerza, la dirección es plana y superficial, le falta misterio e intriga. Todo acaba por volverse excesivamente previsible. Al parecer a sus autores sólo les interesaba la taquilla, aprovechándose de un éxito ajeno para atraer al público sin esforzarse en crear otro.

Las dos actrices llenan la película, cumplen con su cometido. Hacen lo que pueden y sobreviven al desastre. La presente producción no es más que un producto mercenario que sólo busca el dinero fácil para sobrevivir y alegrar sus respectivas cuentas corrientes. Nada más.

Isabelle Adjani y Sharon Stone

Diabólicas (1996) (Diabolique)
Ficha técnica Duración: 1:43:05 Director: Jeremiah Chechik Producción: James G. Robinson y Marvin Worth
Reparto: Sharon Stone (Nicole Horner), Isabelle Adjani (Mia Baran), Chazz Palminteri (Guy Baran), Kathy Bates (detective Shirley Vogel), Spalding Gray (Simon Veatch), Shirley Knight (Edie Danziger), Allen Garfield, Adam Hann-Byrd, Donal Logue, Diana Bellamy, J.J. Abrams, O’Neal Compton.
Música: Randy Edelman
Guión: Don Roos, según el guión de Henri-Georges Clouzot y la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.
Fotografía: Peter James
Montaje: Carol Littleton
Nacionalidad: USA


"Les diaboliques" (1954), de Henri George Clouzot, con Simone Signoret y Vera Clouzot

Kukutza derribada

2011-09-24T08:23:00.003Z

LA BATALLA DE KUKUTZA

Video grabado para defender Kukutza

Kukutza, el centro cultural ocupado que desde hace 13 años, había dinamizado la actividad cultural de Errekalde, un barrio obrero de Bilbao, ya es historia. El Juzgado de lo Contencioso-administrativo número 5 ordenó el derribo del edificio ayer por la mañana y por la tarde una excavadora lo echó abajo en medio de un gran dispositivo de la Ertzaintza y graves disturbios.

Durante varias horas, las calles de este barrio bilbaino se convirtieron en escenario de una auténtica batalla campal entre los defensores del centro cultural y los efectivos antidisturbios de la Policía vasca. El barrio quedó prácticamente sitiado hasta la noche por el amplio despliegue policial que trataba de atajar las escaramuzas de los manifestantes por las calles adyacentes al centro cultural. Comercios y tiendas tuvieron que bajar la persiana.

La iglesia se convirtió en un lugar de retirada provisional para los heridos, mientras que algunos bares hacían de refugio para quienes huían de la Ertzaintza.Los pelotazos de los antidisturbios se cruzaban en el aire con las piedras, los cohetes y los cócteles molotov que arrojaban los protestantes.

Bomberos y ertzainas tuvieron que afanarse para apagar las barricadas formadas con contenedores en llamas.Con los detenidos de esta noche, el número de arrestados a lo largo de los incidentes originados por el desalojo del "gaztetxe" Kukutza el pasado jueves se elevan a 31, según han confirmado fuentes del departamento de Interior.

Nunca antes Bilbao había vivido unas protesta tan virulenta por el cierre de un centro cultural. Pasadas las nueve de la noche, tras cuatro horas de altercados, cientos de personas se dirigieron hacia el Ayuntamiento para protestar contra el derribo, mientras que los disturbios se expandían hacia otras zonas del centro. Y, como en otras movilizaciones, las redes sociales se hacían eco de la batalla en Bilbao.

El origen espartano de los cántabros

2011-09-20T09:41:00.002Z

OKELA,

ESPARTANOS EN CANTABRIA

El escritor santanderino Pedro Santamaría ha publicado, a través de la editorial Ediciones Pàmies, la novela histórica Okela. Espartanos en Cantabria, en la que, tras investigar un cita de Estrabón, ha escrito una "gran aventura de viajes".
"Parte de Cantabria fue sojuzgada por los espartanos. Aquí también está Okellas, ciudad que se dice fue fundada por Okela". En base a esta cita, Santamaría ha reconstruido la epopeya de aquellos colonos helenos que llegaron a Cantabria.
Esta aventura de la Antigüedad destaca, según la editorial, por "su calidad literaria y su original premisa argumental". La novela consta de 432 páginas y se ha lanzado al mercado con un precio de 19,95 euros. Aquí se puede encontrar.

Una vez que han conquistado toda Asia, los persas amenazan ahora a la Hélade con un ejército como nunca antes se había visto. Okela, uno de los generales espartanos, es enviado para comprobar si los informes que llegan a Grecia son ciertos, y se encuentra con que el ejército del rey Jerjes es invencible.

Ante esta situación, los diferentes gobernantes griegos se reúnen para buscar una alianza que les permita impedir la invasión, pero el Oráculo de Delfos envía un mensaje claro a los espartanos: deben buscar las fuentes del «Nilo de Occidente» para fundar allí una nueva Esparta. Okela será de nuevo el elegido para realizar dicha misión. Junto con trescientos hombres más, deberá abandonar Grecia y dirigirse al Oeste en un viaje hacia lo desconocido.

Los aventureros se verán así envueltos en la lucha entre Siracusa y Cartago, sufrirán los envites de un mar tormentoso y arribarán a las costas de Iberia, donde encontrarán tribus bárbaras que se opondrán a su búsqueda, mientras intentan seguir el cauce del Ebros y crear una nueva nación en el corazón de aquel territorio inhóspito.

Pedro Santamaría se descubre como un gran narrador, tejiendo una novela trepidante que se sumerge en la Historia para dar una explicación sorprendente sobre el origen de los cántabros.

Texto facilitado por la Editorial

Recomendamos también:

La apasionante historia del guerrero cántabro que defendió su tierra de los romanos hasta las últimas consecuencias. Ésta es la historia de Corocotta, un guerrero cántabro que se vio favorecido desde niño por 'la enfermedad de los dioses', la epilepsia, y que luchó junto a Julio César; de la lejana África a Gades, de Roma a Britannia. Él lideró la última defensa de Cantabria frente al asedio de Augusto.

Los pueblos cántabros volvieron a rebelarese encabezados por las guardianas del tabú, mujeres guerreras, que provocaron un levantamiento de esclavos en toda Hispania y en otras partes del Imperio romano.

Star Wars en Blu-Ray

2011-09-18T13:22:00.002Z

EL BLU-RAY GALÁCTICO

Anthony Daniels

El comerciante George Lucas acaba de publicar dos packs sobre la famosa saga Star Wars de la que ha estado viviendo hace más de tres décadas.

La saga cinematográfica de Star Wars comenzó con la película A New Hope («Una nueva esperanza»), estrenada en cines el 25 de mayo de 1977 como La Guerra de las Galaxias. A ella le siguieron dos continuaciones: The Empire Strikes Back («El Imperio contraataca»), estrenada el 21 de mayo de 1980, y Return of the Jedi («El retorno del Jedi» o «El regreso del Jedi»), estrenada el 25 de mayo de 1983.

Más de dos décadas después del estreno de la cinta original, el universo de Star Wars continuó con una trilogía de precuelas conformada por The Phantom Menace («La amenaza fantasma»), estrenada el 19 de mayo de 1999, Attack of the Clones («El ataque de los clones»), estrenada el 16 de mayo de 2002, y finalmente Revenge of the Sith («La venganza de los Sith»), estrenada el 19 de mayo de 2005.

Ambas trilogías han sido editadas en DVD y Blu-Ray en un pack que está teniendo mucho éxito pese a la crisis económica que al señor Lucas poco le debe importar. Nueve discos, seis con las películas ya mencionadas y tres más de autobombo que poco añaden a lo que sabemos.

Estas películas están más dirigidas al público frikkie que al cinéfilo. Para los amantes de la ciencia ficción tenemos series de más enjundia como El planeta de los simios o Star Trek, pero no me voy a poner aquí a comparar.

Una serie muy bien elaboradas industrialmente pero con argumentos y guiones extremadamente infantiles e ingenuos. Lucas demuestra una vez más su talento para el negocio que para el arte, pero no vamos a ser duro. Cada película tiene su público o lo debería tener porque en caso contrario serían películas muertas.

Más que obras maestras o artísticas son entretenimientos muy bien conseguidos que dan lo que prometen. Pasar el rato una y otra vez con las aventuras de los Jedi y los simpáticos robots C3PO y R2D2 que junto con el Yoda y Chewbacca son lo mejor de la serie.

Esos mundos extraños, misteriosos, repletos de seres carnavalescos tienen su encanto, su gracia. Esa magia a veces nos hacen olvidar la poca consistencia de los guiones. Por ejemplo en El Imperio contraataca Luke viaja a otra galaxia para conocer a Yoda y en la película parece que el viaje dura segundos cuando debería durar algunos años como mínimo. Con cuatro ejercicios patosos ya ha recibido toda la instrucción para convertirse en caballero Jedi.

La serie tiene muchos fans y tampoco me extraña, imagino que se lo pasarán en grande con esas seis películas y otras similares, siempre y cuando no seas un espectador exigente ni un erudito cinéfilo que preferirán otras visiones de la ciencia ficción. Star Wars no engaña, cumple lo que promete y si lo que te dan te gusta ningún inconveniente.

Una serie que habrá llenado de ilusión a muchas vidas de todo el planeta. Sus personajes son ya archifamosos y la serie se ha convertido en un seguro negocio para los mandamases de Hollywood con Lucas al frente. Para los artistas no tanto, como es sabido al pobre Darth Vader (Dave Prowse) le deben mucho dinero pero ya se sabe que en este mundo a quienes van por la vida pisoteando al prójimo se le pone en un pedestal. El lado oscuro de la avaricia es muy poderoso y al parecer provoca muchas simpatías.

Caspa Made in Hollywood

2011-09-16T12:09:00.002Z

DAVID PROWSE

LLEVA 35 AÑOS SIN COBRAR


David Prowse

Ser el malo más célebre de la historia del cine no te garantiza cobrar lo estipulado en tu contrato. David Prowse, el hombre que puso cuerpo -la voz era de James Earl Jones- a Darth Vader en la trilogía original de La Guerra de las Galaxias.
Hace ya un par de años que saltó a la luz la reclamación de Prowse, que exige a LucasFilm -la productora de George Lucas y propietaria de los derechos de Star Wars- el porcentaje pactado de la recaudación en taquilla de El Retorno del Jedi, la tercera entrega de la saga.El actor lleva ya casi 35 años esperando a cobrar los beneficios que por contrato le corresponden. La excusa que mantiene George Lucas para no pagar a Vader es que El retorno del Jedi fue un mal negocio. De hecho, no solo no dejó beneficios sino que generó pérdidas.Un argumento que, con las cifras en la mano, no se sostiene. La película tenía un presupuesto de 32 millones de euros y recaudó en taquilla unos 475 millones de dólares en 1983. Los beneficios por tanto parecen evidentes, pero en la contabilidad oficial de la cinta las artimañas de los productores hicieron que el saldo del film sea finalmente negativo.
Así lo señala una información publicada por diario Atlantic, que destapa el rebuscado entramado de empresas y sociedades paralelas con el que las productoras de Hollywood enmascaran los beneficios para evitar pagar a los actores sus porcentajes de la recaudación en taquilla.De hecho, el reportaje presenta un documento de Warner Bros. en el que tras enrevesadas cuentas el saldo de Harry Potter y la Orden del Fénix arroja unas pérdidas de más de 167 millones de dólares.

Otro ejemplo más de esta contabilidad "creativa" que deja sin cobrar al mismísimo Darth Vader. Y es que en Hollywood el poder del dólar es mucho más intenso que el de La Fuerza.

Ya disponible en Blu Ray y DVD

2011-09-14T11:35:00.000Z

STAR WARS:

LA SAGA COMPLETA

Características del Blu-ray:

    Contenido: 9 Discos. 6 Películas.
    Presentación: Caja para coleccionistas.
    Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición).
    Audio:
        DTS-ES 6.1 Inglés.
        DTS 5.1 Castellano.
        DTS-HD Master Audio 5.1 Alemán.
        Dolby Digital 5.1 Catalán, Húngaro, Polaco
    Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Portugués, Griego, Mandarín, Árabe, Húngaro, Islandés, Hebreo, Polaco.
    PVP Recomendado: 89,95 €.

Contenido Extra:

Disco 1 – Star Wars: Episodio I La Amenaza Fantasma

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman, John Knoll, Dennis Muren y Scott Squires.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 2 - Star Wars: Episodio II El Ataque de los Clones

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Ben Burtt, Rob Coleman, Pablo Helman, John Knoll Y Ben Snow.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 3 – Star Wars Episodio III La Venganza de los Sith

    Comentarios de George Lucas, Rick McCallum, Rob Coleman, John Knoll y Roger Guyett.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 4 - Star Wars Episodio IV Una Nueva Esperanza

    Comentarios de George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 5 - Star Wars: Episodio V El Imperio Contraataca
    Comentarios de George Lucas, Irvin Kershner, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 6 – Star Wars Episodio VI El Retorno del Jedi

    Comentarios de George Lucas, Carrie Fisher, Ben Burtt y Dennis Muren.
    Comentarios extraídos de las entrevistas de archivo con actores y equipo de rodaje.

Disco 7 - Archivos de Star Wars: Episodios I-III

    !Nuevo! Incluye: escenas eliminadas, extendidas y alternativas; accesorios, maquetas y vestuarios; pinturas e ilustraciones; entrevistas suplementarias con el reparto y el equipo de filmación; un viaje a través de los Archivos de Lucasfilm y mucho más.

Disco 8 - Archivos de Star Wars: Episodios IV-VI

    !Nuevo! Incluye: escenas eliminadas, extendidas y alternativas; accesorios, maquetas y vestuarios; pinturas e ilustraciones; entrevistas suplementarias con el reparto y el equipo de filmación; y mucho más.

Disco 9 - Documentales Star Wars

    ¡Nuevo! Guerreros Estelares (2007, Color, Aprox. 84 Minutos) – Algunos fans de Star Wars quieren coleccionar las figuras de acción... estos fans ¡quieren ser figuras de acción! Un tributo a la Legión 501, organización global de fans entusiastas de los disfraces, este intuitivo documental muestra cómo este súper club de fans promueve el interés en las películas a través de su trabajo como voluntarios y ayuda caritativa en fundaciones y eventos especiales alrededor del mundo.
    !Nuevo! Una Conversación con los Maestros: El Imperio Contraataca 30 Años más tarde (2010, Color, Aprox. 25 Minutos) – George Lucas, Irvin Kershner, Lawrence Kasdan y John Williams echan una mirada a la realización de El Imperio Contraataca en esta profunda retrospectiva de Lucasfilm creada para conmemorar el aniversario de 30 años de la película. Los maestros comentan y recuerdan una de las películas más queridas de todos los tiempos.
    !Nuevo! Parodias de Star Wars (2011, Color, Aprox. 91 Minutos) – ¡El sinsentido es total en este material! Disfruta de una divertida colección de bromas de Star Wars y parodias creadas a través de los años, incluyendo los controvertidos cortos de Padre de Familia, Los Simpson, Cómo Conocí a tu Madre y otros – y no te pierdas el único video musical de “Weird Al” Yankovic, ¡un tributo a La Amenaza Fantasma!.
    Detrás de Cámaras de Star Wars (1977, Color, Aprox. 49 Minutos) – Conoce la increíble historia del detrás de cámaras de cómo la película original de Star Wars fue llevada a la pantalla grande en este fascinante documental presentado por C-3PO y R2-D2. Incluye entrevistas con George Lucas y apariciones de Mark Hamill, Harrison Ford y Carrie Fisher.
    El Imperio Contraataca: Efectos Especiales (1980, Color, Aprox. 48 Minutos) – Conoce los secretos de hacer películas en un galaxia muy, muy lejana. Presentado por Mark Hamill, este revelado documental ofrece un vistazo al detrás de las escenas de los sorprendentes efectos especiales que ¡transformaron la visión de George Lucas en Star Wars y El Imperio Contraataca en una realidad!
    Criaturas Clásicas: El Retorno del Jedi (1983, Color, Aprox. 48 Minutos) – Vayamos detrás de las escenas – y dentro del vestuario – recorriendo secuencias de la producción de El Regreso del Jedi intercaladas con cortos clásicos de monstruos en esta profunda exploración de las meticulosas técnicas utilizada por George Lucas para crear las criaturas clásicas y los personajes de la película. Presentado y narrado por Carrie Fisher y Billie Dee Williams.
    Anatomía de un Dewback (1997, Color, Aprox. 26 Minutos) – Observa cómo algunos de los efectos especiales en Star Wars se hicieron aún más especiales ¡dos décadas después! George Lucas explica y demuestra cómo su equipo transformó las criaturas dewback originales de muñecos de goma inmóviles (en el lanzamiento original de 1977) en criaturas de apariencia viva para la Edición Especial actualizada de Star Wars en 1997.
    La Tecnología de Star Wars (2007, Color, Aprox. 46 Minutos) –Explora los aspectos técnicos de los vehículos, armas y accesorios de Star Wars, los técnicos de Star Wars consultaron a líderes científicos en los campos de la física, las prótesis, el láser, ingeniería y astronomía para examinar la credibilidad de la tecnología de Star Wars que fue basada en la ciencia que conocemos hoy en día.

Más sobre el Blu-ray de Star Wars - La Saga Completa

    Título original: Star Wars - Episode I, The Phantom Menace, Star Wars. Episode II. Attack of the Clones, Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, Star Wars: Episode IV. A New Hope: Limited Edition, Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, Star Wars: Episode VI: - Return of the Jedi
    Año: 1977
    Directores: George Lucas, Irvin Kershner, Richard Marquand
    Actores: Mark Hamill, Carrie Fisher, Peter Cushing, Anthony Daniels, Harrison Ford, Billy Dee Williams, Peter Mayhew, David Prowse, Alec Guinness, Sebastian Shaw

Mirada al cineasta chino Zhang Yimou

2011-09-14T06:29:00.001Z

ZHANG YIMOU 1999

Zhang Yimou es en la actualidad uno de los más grandes prestigios del cine asiático que muy rara vez llega a nuestras carteleras. Un cine que debemos visionar en cines en versión original, cine clubs o DVDs en mi caso por carecer de acceso a estas películas en pantalla grande. Desde que ví Sorgo Rojo en Madrid mientras rodaba La Grieta me quedé hipnotizado con sus bellas imágenes, Gong Li pasó a convertirse en una de mis musas predilectas y Yimou en uno de mis autores predilectos.

El tandem Yimou-Li repitió en varias películas más tras romperse en 1995 con La Joya de Shanghai, película que en su día fue poco valorada pero que para mí es uno de sus más brillantes títulos. Entonces perdí la pista a Yimou pero no a la actriz que apareció en otras obras maestras como Adiós a mi concubina de otro gran autor, Chen Kaige y producciones internacionales.

Tiempo después, al aparecer el DVD pude adquirir una trilogía espectacular como Hero, La casa de las dagas voladoras y La maldición de la flor dorada. Son películas de sable de diferente estilo que adquirieron éxito comercial en todas partes aunque, como siempre, en mi ciudad nos quedamos a dos velas porque sólo interesan las producciones de las multinacionales. De esa trilogía mi preferida es la tercera, en la que reaparece su musa Gong Li en el papel de emperatriz. Un cine distinto que para mí es inferior al gran Yimou de sus primeros años.

Entre ambas tendencias están una serie de películas que rodó sin su actriz fetiche, menos conocidas pero que suponen una investigación de nuevos terrenos narrativos.


Ni uno menos

Mantén la calma (1997) es una incursión en el mundo de la comedia, pero estamos muy lejos del cineasta que fue en sus anteriores títulos. Nos decepcionó a todos porque carecía de gracia, era larga y tediosa. Nos hizo temer que el cineasta chino había perdido el norte, pero dos años después nos ofreció dos joyas de las que vamos a tratar a continuación.

Ni uno menos, cuenta con actores no profesionales que por cierto sus personajes llevan el mismo nombre que sus intérpretes. Las obras anteriores del gran Yimou habían padecido graves problemas con la censura china maoísta e incluso prohibiciones de sus guiones, porque estaban alejadas de la doctrina oficial. En esta ocasión nos encontramos con una mirada sorprendente al mundo rural, abandonado y miserable con un estilo que tiene reminiscencias del neorealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa. Yimou utiliza la cámara en mano, que en el título anterior resultaba agobiante, pero que aqui le da más fuerza a la epopeya de una niña de 13 años que a pesar de su escasa cultura debe hacerse con una escuela rural al tener que sustituir al maestro por baja forzada.

A pesar de las reticencias su labor es todo un éxito y meritoria. Un alumno debe marcharse a la ciudad por carecer de medios para pagar la escuela y ganar dinero para su madre. La maestra le buscará en una epopeya admirable.

El tema de la mujer fuerte vuelve aparecer una vez más en la filmografía de Yimou, su estilo visual vuelve a fascinar. No estamos ante una tragedia, como en sus primeros títulos con Gong Li, pero sí ante un relato repleto de vigor y sensibilidad.
Asimismo es una denuncia al postmaoísmo, un modelo terrible de economía neocapitalista que ha convertido a la República Popular de China en un país emergente capaz de rivalizar con los ultracapitalistas Estados Unidos y Japón pero que bajo la fachada opulenta muestra la cruda faz de marginación y pobreza.


El camino a casa

En el mismo año rodó este título, algo similar al anterior, porque también está centrado en un mundo rural, abandonado, olvidado. Camino a casa es ante todo una historia de amor entre una campesina analfabeta y un joven maestro de la ciudad que al carecer de salida profesional termina ejerciendo en una solitaria aldea.

Conocemos sus particulares costumbres, sus tradiciones, sus supersticiones. El camino a casa a pesar de contar unos escenarios que sobre el papel son poco atractivos consigue fascinar por la belleza de su fotografía y por la mirada de la nueva musa del cine chino, Zhang Ziyi, cuya dulce mirada protagonizó Tigre y Dragón, Memorias de una Geisha y Hero entre otras.

Yimou, director de la Quinta Generación de cineastas chinos, que comenzó su carrera tras la Revolución Cultural maoísta, vuelve a brillar en estos dos títulos aquí tratados. Me quedo con Vivir (1994), para mí su mejor película, pero este díptico rural me resulta superior a las grandes producciones que le sucedieron. Esos relatos de emperadores no gozan de gran simpatía pese a que el estilo visual de Yimou siempre brilla a gran altura.

Retrato de una página negra de la historia

2011-09-12T22:40:00.003Z

HITLER: EL REINADO DEL MAL (2003)

Robert Carlyle rodó este telefilme para TV que actualmente se programa en Canal 8 tras las temibles tertulias de Josep Cuni. Hitler: el reinado del mal no es una buena película o una buena serie, falta profundidad a la realización, pero sí es una obra digna cuya emisión es muy oportuna.

Para mí lo mejor, sin duda, es la labor interpretativa del actor principal, famoso por su Full Monty, en la que muestra la locura de un personaje que llevó a su país al desastre más absoluto.

Directa o indirectamente, el nazismo tuvo muchos culpables. La Paz de Versalles que asfixió y humilló al pueblo alemán que en los años 20 llegó a tener diez millones de parados como uno de esos países que tanto desprecia la actual dirigente alemana Angela Merkel (que una mujer dirija la nación alemana, Hitler se rasgaría las vestiduras), y se ha convertido en estos seres a los que se acusa de todo como ocurre en los años 20 y 30 alemanes en que los judíos eran culpados de cualquier desastre.

La paranoia de Hitler no apareció por generación espontánea. Fue fruto de unas circunstancias en las que el pueblo alemán estaba realmente indignado por su situación desastrosa que les había llevado a la desesperación y se sabe que situaciones extremas provocan reacciones extremas.

Los discursos del fürher recuerdan dolorosamente a otros discursos malvados actuales y no sólo de partidos tildados de extremistas, sino incluso de esas fuerzas mal llamadas democráticas que han llegado a gobernar comunidades autonómicas en nuestros lares.

La demagogia desaforada ha sido lesiva para la humanidad. Monstruos como Hitler no son flor de un día, son hijas del desastre económico y de futuros inciertos. La pérdida de fe en las propias posibilidades. Son como esos psiquiatras que tratan gente depresiva, les llenan la cabeza de halagos haciéndoles creer que son los reyes del mundo.

Un país tan culto como Alemania produjo las mayores atrocidades del siglo XX junto a la Unión Soviética de Stalin y la Camboya de Pol Pot. Un pueblo elevó a Hitler a la jefatura del Estado mediante las urnas, no con un golpe de Estado ni ganando una guerra civil como en España.

El pueblo también se equivoca, pese a la demagogia que dice lo contrario. Buena ambientación, pero el guión se centra en la anécdota y olvida el panorama histórico en que dichas atrocidades tuvieron lugar.

Título: Hitler: El reinado del mal – Hitler: The rise of Evil

Director: Christian Duguay
Actores: Robert Carlyle – Stockard Channing – Matthew Modine – Jena Malone – Julianna Margulies – Liev Schreiber – Peter O’Toole – Peter Stormare – Friedrich Von Thun – Zoe Telford – Terence Harvey
Año: 2003
Pais: Canadá – Usa

Fallece Andy Whitfield a los 39 años

2011-09-12T08:30:00.003Z

ADIÓS A ESPARTACO

Andy Whitfield

El actor australiano Andy Whitfield, estrella de la serie de televisión Espartaco, Sangre y Arena murió a causa de un linfoma no-Hodgkin, una forma de cáncer, informaron medios locales.

Whitfield, de 39 años falleció "en una mañana soleada de domingo en Sídney", según un comunicado de prensa divulgado por la radio local ABC.

Junto a la estrella de la serie televisiva, estuvo su esposa Vashti, quien le describió como "un joven y hermoso guerrero", agregó el comunicado.

Whitfield, nació en Gales (Reino Unido) pero residió gran parte de su vida en Australia y era prácticamente un desconocido cuando se presentó para el papel de Espartaco, una serie que se hizo popular por las escenas de violencia y sexualidad.

El actor se preparaba para su segunda temporada cuando hace 18 meses le diagnosticaron la enfermedad, por lo que fue reemplazado en el papel de héroe a principios de año por su colega y compatriota, Liam McIntyre, actual protagonista de Espartaco, La Venganza que en el año 2012 verá la luz.

La enfermedad de Whitfield provocó que el inicio de la segunda temporada se aplazara y se rodara en su lugar una precuela, Espartado Dioses de Arena con los mismos ingredientes de violencia y de sexo, reapareciendo los actores cuyos personajes habían perecido en la famosa serie.

Andy Whitfield y Erin Cummings

Psycho killer de culto

2011-09-11T15:44:00.000Z

SEVEN (1995)

David Fincher, recordado por su prescindible Alien 3, se sacó su espina con este intenso thriller policíaco que sin que sirva de precedente se distingue por su originalidad y por su intensidad dramática.

Un extraño asesino comete una serie de crímenes inspirados en los siete pecados capitales. Nos encontramos ante un psicópata ilustrado, un auténtico genio maligno.

Lo mejor de la película es el duelo interpretativo de Kevin Spacey y Morgan Freeman, en su duelo final, una sorprendente resolución del caso. Brad Pitt es algo excesivo en su interpretación y Gwyneth Paltrow es más bien un elemento pasivo, decorativo.

Morgan Freeman borda su personaje de policía que está ya de vuelta de todo al intentar resolver un caso muy complicado. Las motivaciones del criminal son sorprendentes, un ser desquiciado que se mueve de forma calculadora con una lógica peculiar.

La ambientación es asimismo original, Fincher rueda un título muy personal en lo estético con sus claroscuros y ambientes sórdidos.

Seven (Se7en)
Año 1995 Duración 127 min. País Estados Unidos
Director David Fincher
Guión Andrew Kevin Walker
Música Howard Shore
Fotografía Darius Khondji
Reparto Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree, R. Lee Ermey, Leland Orser, Richard Schiff, Julie Araskog, Mark Boone Junior, Daniel Zacapa, Richard Portnow
Productora New Line Cinema / Arnold Kopelson Production
Premios 1995: Nominada al Oscar: Mejor montaje
1995: Nominada BAFTA: Mejor guión original
1995: National Board of Review: Mejor actor de reparto (Kevin Spacey)
1995: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor de reparto (Kevin Spacey)
Género Thriller. Intriga | Crimen. Policíaco. Asesinos en serie. Película de culto

Charlton Heston se autoparodió

2011-08-28T16:11:00.002Z

CHUCK HESTON HOSTING SNL

SATURDAY NIGHT LIVE (1993)

Pues sí, en el famoso programa Saturday Night Live, en un episodio grabado en 1993, el propio Charlton Heston se autoparodió su papel en El planeta de los simios original, no en el de Tim Burton que entonces no se había rodado.
Se trataba de un programa de televisión simiesco donde los simios preguntaban a Heston porqué hablaba en un tono de programa de debate público caricaturesco.

En la película original se rodó este plano de apertura con los cuatro astronautas entrando en la nave, pero en la sala de montaje de eliminó. A Diane Stanley no la pudimos ver ni en fotografía.

Cuando el peplum era peplum 2

2011-08-27T09:22:00.009Z

EL VIAJE DE

JASÓN Y LOS ARGONAUTAS

Hablábamos en otro post del enorme impacto taquillero de Hércules (1958) y Hércules y la reina de Lidia (1959) de Pietro Francisci, en la que ambas hacían referencia a los argonautas y su búsqueda del vellocinio de oro, aunque en el segundo título para mostrar el punto final del épico periplo. La suerte estaba echada y los estudios italianos no tardaron en rodar Los gigantes de la Tesaglia (1960) de Riccardo Freda basado en el mismo argumento aunque esta vez sin el forzudo héroe en sus aventuras.

Los gigantes de la Tesaglia es una producción muy modesta como casi todos los peplums de la época, excluyendo naturalmente los venidos de Hollywood, mejor dicho los producidos por las grandes firmas, que en este caso contaban con presupuestos espectaculares y generalmente mejores resultados. Dichas superproducciones solían rodarse bien en suelo español bien en suelo italiano, generalmente en Cinecitta en la que los grandes actores nacionales aparecían en papeles secundarios o de extras en algunos casos. Muchos consideraban este hecho una humillación pero eran películas rodadas en sonido directo en lengua inglesa y ya es sabido la gran torpeza que tenemos los latinos con el idioma de William Shakespeare.
El viaje a la Cólquida (actual Georgia en el este del Mar Negro) era un tema apetitoso y con posibilidades de una buena aventura y como veremos el cine y posteriormente la televisión no le dieron jamás la espalda. Esos héroes griegos que viajaban a bordo de la nave Argos (Orfeo, Cástor, Pólux, Peleo, Hércules, Teseo, Laertes, Atalanta — única mujer de la expedición, famosa corredora y arquera, y por cierto olvidada por el cine —, Meleagro...) que parten desde Yolcos para realizar una prueba que le permitaa Jason reconquistar el trono que le fue arrebatado de forma traicionera por el malvado Pelias.
Ray Harryhausen llevaba tiempo interesado en este argumento que rodó en tierras españolas, como es habitual, añadiendo en postproducción sus famosos muñecos articulados que alcanzaron gran importancia en el mundo de la animación.

Jasón y los argonautas (1963) está considerada una auténtica obra maestra. Cuando Ray Harryhausen recibió en 1992 un Oscar honorífico en homenaje y reconocimiento a toda su carrera, el actor Tom Hanks reconoció la película como una de las mayores obras maestras del cine aunque los críticos jamás la consideraron como tal, despreciándola por su fantasía. Pero la realidad es tozuda, en su día no tuvo éxito y se quedó sin rodar la segunda parte de la misma, cuando los argonautas regresan a Yolco para que Jasón recupere su trono, así como las peripecias del viaje de vuelta.
Todd Armstrong, Nancy Kovack, Gary Raymond, Michael Gwynn, Laurence Naismith, Niall MacGinnis, Douglas Wilmer, Honor Blackman, Patrick Troughton, Nigel Green formaron el reparto de tan grande película, no era una superproducción pero sí contaba con un presupuesto modesto pero superior al de los colegas italianos. Don Chaffey era su director, aunque la autoría siempre es atribuida a Harryhausen.

John Cairney y Nigel Green

En esta versión reaparece Hércules (Nigel Green) pero ya en su madurez, con una poblada barba grisácea para escapar de la imagen de Steve Reeves entonces tan de moda. Y también el personaje de Hylas (John Cairney) ausente en la película de Pietro Francisci, aunque se disimula su relación con el forzudo griego. Al desaparecer el muchacho en la isla desierta tras su encuentro con el gigante Talos, Hércules decide quedarse para buscarle.

Resulta curioso el fracaso comercial de esta película cuando en sucesivas reposiciones, pases televisivos y ediciones en vídeo se convirtió a la larga la más rentable de la producción de Harryhausen, prematuramente jubilado de la industria del cine por considerar sus efectos anticuados en el mundo moderno de la digitalización.

Pero para la historia quedan todas sus secuencias inolvidables como la del desfiladero de rocas que se cierran cuando pasan los barcos, el Simplégades, pero la aparición de Tritón, hijo de Neptuno o Poseidón, permite superar la prueba con éxito.
La escena de las arpías que atormentan a Fineo, el adivino, es también modélica sobretodo porque termina por darle un toque de humor en su resolución, aunque la secuencia cumbre es la pelea de Jasón contra los esqueletos armados y sus dificultades para vencerlos. ¿Cómo matar a quien ya está muerto?
Que a Harryhausen le negaran el Oscar a los mejores efectos especiales fue una injusticia flagrante. En España se tardó mucho en verse la película en las salas por ser considerada "poco comercial" y también porque Jasón rechaza la ayuda de los dioses y los trata con muy poca consideración.

En la mitología griega, las Simplégades, también conocidas como Rocas Cianeas o Rocas coincidentes, eran un par de escollos que flotaban y entrechocaban aleatoriamente. Los argonautas fueron los primeros que consiguieron superar con éxito este obstáculo, aunque habrían muerto aplastados por las rocas si no hubiera sido por el consejo de Fineo: Eufemo dejó una paloma volar entre las rocas, que perdió solamente las plumas de su cola. Los argonautas entonces remaron poderosamente para conseguir pasar, perdiendo solamente parte del ornamento del barco. Después de eso, las Simplégades dejaron de moverse y permanecieron inmóviles. A menudo suelen situarse geográficamente estas rocas en el estrecho del Bósforo.
Los romanos las llamaron cyaneae insulae.

En el Olimpo nos encontramos a Honor Blackman, famosa por su aparición en la serie Los vengadores antes de ser sustituida por Diana Rigg y que se convirtió en leyenda por su papel en James Bond contra Goldfinger (1964), aunque en este caso omitieran su lesbianismo por motivos mercantiles.
Blackman es aquí Hera, la protectora de Jasón a la que sólo puede ayudar en muy escasas ocasiones.
El irlandés Niall MacGinnis, el Menelao de Helena de Troya (1956) de Robert Wise, es Zeus, el más importante dios del Olimpo. Tiene ese punto de ironía y sarcasmo de tan paternal personaje.
Todd Armstrong y Nancy Kovack, Jasón y Medea, no son rostros muy conocidos. Dos actores norteamericanos que fueron escogidos más por su presencia física que por sus cualidades. Al igual que otros intérpretes parecidos sus carreras no fueron demasiado distinguidas y se les recuerda sólo por este título mítico de Harryhausen.

Tuvimos que esperar al año 2000 para que Jasón y los argonautas volvieran asomarse a las pantallas, esta vez televisivas. Los efectos digitales sustituyeron a los del gran Harryhausen, pero esta vez sí conocimos el destino de los argonautas. Brian Thompson es el nuevo Hércules, conocemos que ésta es su última aventura Fallece a causa de las flechas recibidas para conseguir el vellocinio y se convierte en constelación. Una muerte que nada tiene que ver con la mitológica a causa de una túnica que le entrega su mujer Dejanira con sangre envenada de un centauro.

Brian Thompson

Jasón y los Argonautas en Busca del Vellocino de Oro (2000) se distribuye en dos capítulos dirigidos por Nick Willing, con Jason London, Jolene Blalock, Dennis Hopper, Frank Langella, Natasha Henstridge, Derek Jacobi, Brian Thompson, Mark Lewis Jones. Estamos lejos de la obra maestra de Harryhausen, aunque nos encontramos con una producción modesta realizada con total dignidad.
Al menos no insulta al espectador como hacen las aventuras televisivas de Kevin Sorbo, pero los productos televisivos son demasiado rutinarios para brillar y para escribir páginas gloriosas cinematográficas. Es más, una producción que aprovecha el éxito de otra película para existir. Una película subsidiaria de otra.
Lo mismo podría decirse de Greek Gods and Goddesses: Jason and the Argonauts (2004) de Jean-Claude Bragard con Nick Brimble como Hércules.
Se anuncia finalmente Jason and the Argonauts: The Kingdom of Hades (2012) pero carecemos de datos sobre su contenido.

Cuando el peplum era peplum

2011-08-26T16:19:00.010Z

HÉRCULES (1958)

HÉRCULES ENCADENADO (1959)

Steve Reeves y Sylva Koscina

Los amantes al peplum y sobretodo al cine mitológico estamos generalmente gafados. Tenemos que soportar bastardías infames como la serie Hércules de Sam Raimi con Kevin Sorbo, receptor de homenajes que parecen rechifla pero en fin ya sabemos el alto grado de friquismo que padecemos y como somos positivos recordamos al Hércules que nos gusta y nos olvidamos del que nos desagrada profundamente.
Me refiero a los peplums rodados en los años 50 y 60 que para nosotros son los más floridos que se han rodado pese a su falta de medios y que son fieles a la mitología tradicional, con creíbles ambientaciones artísticas y que llenaron parte de nuestra cinefília.
En 1958 triunfó Hércules de Pietro Francisci, con dos sex symbols en cabeza de cartel, Steve Reeves y Sylva Koscina. Stephen L. Reeves, culturista y actor estadounidense, que destacó en los peplum realizados en Italia desde finales de los cincuenta hasta mediados de los sesenta. Nació en Glasgow, Montana el 21 de enero de 1926 y falleció el 1 de mayo de 2000 en Escondido, California. Sylva Koscina fue una actriz italiana nacida en Zagreb, perteneciente entonces a Yugoslavia y hoy capital de Croacia. Sus trabajos más famosos fueron como heroína de «películas de peplum» junto a Steve Reeves en sus primeras apariciones como Hércules, aunque también llegó a trabajar con estrellas como Paul Newman y Kirk Douglas. Murió a los 61 años víctima de un cáncer de mama.
Steve había sido aclamado en 1948 Mister World, el hombre más bello del mundo, por sus dotes culturistas. Sylva es recordada por su megalomanía que empañó su carrera, pero también por ser una de las mujeres más bellas del cine italiano, cinematografía que se distingue precisamente por las bellezas de sus principales intérpretes muy fuera de lo común e incluso superior a las de sus colegas hollywoodenses.

La primera película de la serie Hércules, dirigida por el laborioso Pietro Francisci, estaba basado directamente en la mitología griega y los trabajos que tuvo que realizar Hércules para purgar sus errores pero al mismo tiempo es una versión distinta de la de Harryhausen de Jason y los argonautas rodada en 1963 en las que el famoso héroe mitológico hace su aparición.
Se utilizaron los decorados de Ulises (1954) de Mario Camerinio y Mario Bava que aún no se habían desmontado en Cinecitta.
Destaca sobretodo la fotografía del gran Mario Bava, futuro realizador de cine fantásticoy autor de varias secuencias de Ulises, con un presupuesto muy menguado que se sobrellevó con dignidad por parte del equipo creativo de la película. Su éxito provocó el auge del peplum y durante muchos años llenaron las carteleras de películas de temas mitológicos o históricos como la guerra de Troya o los últimos días de Pompeya. Steve Reeves se convirtió en estrella, aunque por extraño que parezca también en un icono gay por ser una de las figuras predilectas de este colectivo.
Sylva Koscina también pasó de convertirse en una actriz desconocida en famosa, alcanzando el estrellato en películas de género de todo tipo. Su aparición como Iole con su mínima minitúnica enseñando las piernas en una época en que la minifalda no se había inventado causó auténtico furor.

Resulta curioso, pero en el guión definitivo se eliminó las referencias a los amores homosexuales de Hércules, y a pesar de eso se convirtió en todo un icono por su presencia física que provocó numerosos admiradores y admiradoras.
La película mezcla varias mitologías, los trabajos de Hércules, la juventud de Ulises y los relatos de Jason y los argonautas en busca del vellocinio de oro, con parada en una isla de perversas amazonas tan mortíferas como atractivas.

El éxito provocó que al año siguiente apareciera con el mismo equipo Hércules y la reina de Lidia o Hércules encadenado como es distribuida en DVD.
En este caso Hércules desaparece por el hechizo de una mujer, Onfale que le hace olvidar quien es y le convierte en su amante en espera de darle muerte y añadirle a su colección.

Este díptico es modélico por su inteligente utilización de unos escasos medios que si bien triunfan en secuencias bélicas o íntimas fracasan cuando aparecen monstruos que rozan el ridículo como sus colegas japoneses.
Lo mejor son sus referencias eróticas como esa reina malvada de un reino perdido que se dedica a coleccionar esposos, o esas mantis religiosas de la isla amazónica de la primera entrega.
Tras el éxito de estas dos entregas el personaje pasó a otros directores como el gran Vittorio Cottafavi o el propio Mario Bava, más otros cineastas de tercera perfectamente olvidables. Finalmente el género decayó por la repetición y la saturación del mercado irrumpiendo los westerns europeos pero eso es ya otra historia.

Desgraciadamente salvo telefilmes aislados, Hércules ha tenido muy mala fortuna. En la serie arriba aludida, la de Sam Raimi y Kevin Sorbo, ha perdido sus señas de identidad y son una completa traición a las mitologías helenísticas que son base de nuestra cultura mediterránea. Eso es motivo de nuestro rechazo a esos subproductos mercenarios que están haciendo mucho daño al género que esperemos renazca algún día y nos vuelva a ofrecer títulos de mayor interés.

Un actor a la sombra de su personaje

2011-08-25T12:51:00.003Z

81 AÑOS DE SEAN CONNERY

Sean Connery acaba de celebrar sus 81 años de vida en estos mundos de Dios, aunque en los últimos años alejado de la primera línea cinematográfica. Incluso en edades avanzadas ha sido un seductor en la pantalla, porque ya se sabe que cuando un hombre se vuelve mayor pasa a la categoría de "hombre interesante".
En cine un personaje le lanzó a la fama, me refiero al superagente 007 James Bond que le convirtió en estrella pero que también le encasilló durante muchos años. Es el estigma del éxito fácil, te mitifican pero también te tratan de limitar a una imagen determinada que es muy difícil borrar.
Connery ha rodado de todo, incluso trabajó para Walt Disney. Ganó un oscar por su papel secundario en Los intocables de Eliot Ness (1987) aunque fue etiquetado como el "peor acento de la historia del cine" porque su deje escocés siempre le traicionó.
Pese a todo es una leyenda viva que figura con letras de oro en las historias de cine.

Ian Fleming y Sean Connery

Martine Beswick y Sean Connery
Operación Trueno

Estreno de Sólo se vive dos veces, en presencia de la reina de Inglaterra isabel y de Dick Van Dyke que rodaba Chitty, Chitty, Bang, Bang en tierras inglesas para la misma firma de 007.

Un planeta de los simios japonés

2011-08-25T00:37:00.004Z

SARU NO GUNDAN (1974)

Si, es cierto. Sería por el año 1974 o así que vi en una revista norteamericana una foto de un telefilme japonés titulado The Apes Cops, inspirado en El planeta de los simios, y me hizo cierta gracia. como la serie de ha puesto de moda últimamente gracias al éxito de el origen del planeta de los simios, me he puesto a buscar, rebuscar, indagar, investigar hasta dar con esa serie que todo el mundo ignora o ha olvidado. Hete aquí algunas imágenes sobre el particular.

Se trata de una serie televisión de 26 episodios de 27 minutos cada uno. Se titulaba en japonés, Saru No Gundan (1974) y tiene una adaptación en largometraje que en 1987 se distribuyó por los USA con el título Time of the Apes (1987). El enorme éxito de la película original provocó que Tsubaraya Productions, una productora del Imperio del Sol Naciente, hiciera algo que siempre han imputado al pueblo japonés: copiar.
Así pusieron manos a la obra y crearon una serie para televisión que no se distribuyó en el extranjero y que por eso nadie conoce, salvo quien suscribe que no lo podía dejar pasar por alto y ha intentado rescatar datos e imágenes para conocimiento de los aficionados a la ciencia ficción de habla castellana.

¿De qué trata esta serie cuyas imágenes son un tanto chapuceras tal como mostramos aquí? Pues de un salto en el tiempo accidental en el que una mujer y sus dos hijos acaban en un futuro en el que los simios dominan la faz de la tierra. Tal prodigio de originalidad no merece ser olvidado y sólo por eso lo cito.
Es pues una serie para niños protagonizada por Reiko Tokunaga (Kazuko Izumi/Catherine en DVD USA), Hiroko Saito (Yurika/Carolina), Masaaki Kaji (Jirô Sakaki/Johnny), Tetsuya Ushio (Gôdo), Kazue Takita (Pepe), Baku Hatakeyama (Gebâ), Wataru Ômae (Cabinet Minister Bippu), Hiroyuki Kawase.
Saru no Gundan ("Armada de los simios"). Tema del título compuesto por Toshiaki Tsushima y letra de Takashi Taka cantado por Masato Shimon y Dokoka de Ai ga ("Cualquier parte con amor"). Tema final compuesto por Toshiaki Tsushima con letra de Motoharu Abe cantado por Toshiko Fujita.
Directores Kiyo Sumi Fukazawa, Atsuo Okunaka. Guionistas: Sakyo Komatsu, Kouji Tonaka.

La acción comienza cuando los niños Johnny y Caroline visitan a su tío Charlie, un científico que consigue descubrir un sistema para hibernar simios y también personas. Pero va a estallar un volcán y el científico bonachón hibernará a los dos pequeños con una joven tía, Catherine. Cuando despierten se encontrarán que el mundo ha cambiado y se ha transformado en el planeta de los simios.

La tía Catherine y Pepe, una especie de mono hippie

En fin cuando despiertan se encuentran que los monos no son ya cobayas de los humanos y al revés. Al jefe de policía no le hace gracia que haya intrusos tan molestos en su zona y comenzará a perseguirlos, pero la tía encontrará pretendiente. Un niño mono les ayudará.

Desde un punto de visto técnico la serie es un auténtico desastre, las máscaras de simio son rígidas y los actores no pueden expresarse salvo moviendo la cabeza.
De hecho estamos lejos de una obra maestra pero sí de una serie simpática como las películas de Mothra y Godzilla de las que he hablado en otro lugar. si hubiera forma de pillarlas recomiendo verlas con un gran sentido del humor.

Por Madeleine Stowe

2011-08-24T20:09:00.007Z

LUNA DE PORCELANA (1994)

Hay secuencias antológicas en el subconsciente cinéfilo que marcan los sueños de cada cinéfilo. En Luna de porcelana está la famosa secuencia del lago que en el cine actual parece ya imposible de ver. Me refiero a una escena de seducción del protagonista masculino, Rachel (es decir Madeleine), casada con un violento hombre de negocios, engatusa a un policía (Ed Harris) para que le ayuda a realizar el crimen perfecto. Para ello dan un paseo en bote en un lago del estado de Florida, el agua está espléndida. Rachel se pone de pie, se quita la ropa ante la mirada atónita del policía y se zambulle a la luz de la luna.

Madeleine Stowe

En los años noventa, Madeleine Stowe se asomó en nuestras pantallas y nadie la olvidó. Se convirtió en nuestra musa mientras su carrera iba en crescendo con títulos como Sola en la penumbra, Vidas Cruzadas y El último mohicano.

Luna de porcelana es un thriller enrevesado. ¿Se puede engañar a la policía en una investigación de un crimen?

El cine siempre ha sido muy preciso. El orden siempre triunfa aunque esta victoria a veces no sea creíble. John Bailey no es un director muy creíble pero este filme menor está muy conseguido en sus escasas pretensiones. Aún así, siendo un filme menor, es más interesante que algunas superproducciones o blockbuster actuales que son espectaculares pero pobres de contenido.
En este título del que nos ocupamos lo mejor es sin duda el erotismo que desprenden sus imágenes, esa belleza serena y contundente de Madeleine está por encima de todo. Es el motor de la historia y de las complicaciones adyacente.
El guión es enrevesado, muestra una intriga que se complica cada vez más y los protagonistas se sienten atrapados en ella sin poder salir triunfantes. Nadie puede engañar a la policía, ni siquiera la propia policía. Ed Harris y Madeline Stowe están perfectos en sus papeles, también los roles secundarios de Benicio del Toro y Charles Dance.
Nos encontramos, como hemos dicho, en un filme menor que se ha convertido en un pequeño clásico. Pequeño pero matón y un título a recordar.

Madeleine Stowe y Ed Harris
la pareja unida en el crimen y la desesperación

Varias imágenes de Madeleine Stowe
la secuencia del baño en el lago a la luz de la luna

Luna de porcelana (1994) Título original: China Moon Género: Thriller País: Estados Unidos Duración: 99 minutos Dirección: John Bailey. Interpretación: Ed Harris, Madeleine Stowe, Charles Dance, Patricia Healy, Benicio Del Toro, Tim Powell, Pruitt Taylor Vince, Larry Shuler, Rob Edward Morris, Paul Darby, Theresa Bean

Ed Harris y Madeleine Stowe

El blockbuster de la semana

2011-08-22T19:25:00.003Z

SUPER 8 (2011)

Hace un par de años os hablé de la nueva película de Star Trek de J. J. Abrams. Un reborn de la saga original, empezando desde cero, que cautivo a los trekkies ya maduritos que acudían a las salas acompañados de sus retoños haciéndoles pedagogía de las viejas series mitificadas en la actualidad y que para muchos han sido toda una vida repleta de recuerdos y de vivencias.

Súper 8, la nueva obra de mismo director, tiene también su punto de nostalgia de aquella ciencia ficción de antaño que bebía de las creaciones del entonces joven Steven Spielberg que en esta ocasión ejerce de productor ejecutivo.
Nos encontramos con rememoranzas de aquellas cutrillas, casposas pero simpáticas películitas rodadas en paso estrecho (9'5 mm, 8 mm, súper 8) que nosotros creíamos obras maestras cuando eran un coñazo del que años después nos avergonzábamos. En fin, todos hemos realizado pecados de juventud y no vale tenerlo en cuenta.
Aquí, en un pequeño poblado estadounidense, unos muchachitos quieren emular a Cecil B. DeMille con cuatro dólares y los elementos más increíblemente casposos para perpetrar su genial aborto fílmico. Pobres muchachos. Sin comerlo ni beberlo se ven mezclados en una aventura de verdad y qué aventura, con soldados de la U.S. Army y una misteriosa figura a la que apenas vemos y que nos inquieta no por lo que muestra sino por lo que oculta.
Esa primera parte nos hace soñar con una película mejor, un rizador de rizos ingenioso. Pero los blockbuster, las fanfarrias de las multinacionales, las piruetas fílmicas, la sucesión de saltimbanquis, efectos digitales bien condimentados para no dejar ni una milésima de segundos en punto muerto convierten la película soñada en un pasatiempo de palomitas de maíz y públicos domingueros.
Que todo está perfecto no lo voy a discutir, pero si eres cinéfilo soñador y romántico es mejor seguir buscando por las carteleras ofertas más atractivas. Para mí lo mejor son los créditos finales, que mucha gente que se precipita al macharse se pierde, con una sorpresa más que agradable que nadie debería perderse. No voy a desvelar detalles para no hacerle la pascua a los productores. Si se carecen de exigencias culturales se lo pasarán en grande.

Película: Super 8. Dirección y guion: J.J. Abrams. País: USA. Año: 2011. Duración: 114 min. Género: Ciencia-ficción. Interpretación: Joel Courtney (Joe Lamb), Kyle Chandler (Jack), Amanda Michalka (Jen), Elle Fanning (Alice), Gabriel Basso (Martin), Ron Eldard (Louis), Noah Emmerich (Nelec), Riley Griffiths (Charles), Zach Mills (Preston), Ryan Lee (Cary). Producción: J.J. Abrams, Steven Spielberg y Bryan Burk. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Larry Fong. Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey. Diseño de producción: Martin Whist. Vestuario: Ha Nguyen. Distribuidora: Paramount Pictures Spain. Estreno en USA: 10 Junio 2011. Estreno en España: 19 Agosto 2011

Fallece el guionista del Drácula de Fisher

2011-08-20T09:26:00.002Z

JIMMY SANGSTER (1927 - 2011)

Acaba de dejarnos Jimmy Sangster, el guionista galés que cambió la cara al cine fantástico con aquella obra maestra titulada Drácula (1957) del gran Terence Fisher. Era una época muy distinta a la nuestra porque podías ir al cine a ver una película del género sin salir avergonzado de la sala.
La Hammer inició el proyecto de revivir la serie de terror de la Universal, tras adquirir los derechos, tras el éxito inesperado de El experimento del Dr. Quatermass. Para ello se contrató a ese joven galés para que escribiera los guiones de La maldición de Frankenstein y de Drácula. Ni él, ni Fisher conocían las antiguas películas con los míticos Bela Lugosi y Boris Karloff. Prefirieron no verlas hasta después del estreno, mucho tiempo después, para no verse influenciados por los viejos clichés y volvieron a las fuentes literarias de ambos personajes. Es decir las novelas.
Las películas Universal en realidad estaban basadas en dos obras de teatro representadas en Broadway transcritas tal cual al cine en donde se habían eliminado muchos aspectos de las novelas originales. Así que Jimmy Sangster ignoró todo material y volvió a sus fuentes.
El resultado fue espectacular, añadiéndole un color intenso. El vigor de Fisher hizo el resto y a partir de entonces el cine fantástico ya no fue el mismo.
Hasta principios de los setenta, la Hammer capitaneó con autoridad la producción de cine fantástico en el mundo, aunque lamentablemente las nuevas tendencias les desplazaron hasta hacerles desaparecer de las pantallas.
Pero su época de reinado fue brillante y modélica.
Jimmy Sangster escribió muy buenos guiones, fue de los mejores de su tiempo y tal vez de toda la historia del género. Se convirtió en director, El horror de Frankenstein y Lujuria para el vampiro, pero no tuvieron el mismo éxito que los anteriormente citados.
Acabó en Estados Unidos con series olvidables como Banaceck y Cannon. Estuvo activo hasta Flashback - Mörderische Ferien (2000) y no se supo nada más hasta hoy que se ha comunicado su fallecimiento. Ya se sabe que es ley de vida y es hora de hacer balance de su carrera, muy positiva e importante aunque el buen cine ya no esté de moda.

Los japoneses también tienen caspa

2011-08-19T06:30:00.008Z

GODZILLA CONTRA MOTHRA (1992)

Por pura chiripa me encuentro con un DVD en el Media Markt de Les Gavarres a menos de dos euros, así que por curiosidad lo adquirí. Se titula Godzilla contra Mothra (1992), se trata de Godzilla and Mothra: The Battle for Earth (1992) de Takao Okawara y no de Godzilla vs. Mothra (1964) del mismísimo Inoshiro Honda.
Godzilla es de sobras conocido por los frikkies de todo el mundo, no obstante es uno de sus mayores iconos. Para cinéfilos serios es un cine imposible de ver porque sus efectos especiales son chapuceros, sus diálogos simplones, guiones pueriles y puesta en escena rutinaria con actores que a veces dan grima. Sin embargo yo lo podría catalogar como películas simpáticas que se ven si se carece de exigencias artísticas.
Mothra es primero un huevo gigante, después una oruga y finalmente una mariposa gigante. Está guardado por dos pequeñas hadas, al estilo Campanilla, que cantan canciones durante la película y que pueden conversar con el gigantesco monstruo que en realidad es un guardián del universo que intenta salvar a la humanidad de toda clase de males.
Los efectos especiales naturalmente están lejos de los actuales, incluso en su época sus maquetas son más que evidentes y chirrían su artificiosidad.
En el guión primario nos encontramos siempre mensajes de corte ecologista. El trauma de la bomba de Hiroshima con su dantesco resultado derribó en cuestión de segundos al invicto Imperio Japonés, una derrota sangrienta y humillante que creó en la nación una sensación de impotencia y de temor que quedó reflejado en estas películas cuyo ecologismo no es en absoluto una operación comercial, políticamente correcta, como es ahora, sino que es sincero porque forma parte de su conciencia nacional.
Lástima que ese ecologismo no vaya unido a valores cinematográficos contundentes, su endeblez industrial es sorprendente proviniendo del país que vio nacer a cineastas como Akira Kurosawa, Hiroshi Inagaki, Kon Ichikawa, Kenji Mizoguchi y Yasujirō Ozu. Un cine con otro ritmo pero que muestra una interesante forma de ver la vida.
Las películas de las que me ocupo también tienen sus valores pese a su torpeza. Hemos de tener en cuenta de que Godzilla contra Mothra, versión 1992, es ya un filme de decadencia porque las primeras películas en su día impresionaron.
Impresionaron por un uso de las maquetas, que ahora se ven muy desfasadas, sino por ese aire fatalista y por el sentimiento de culpa. Como nuevos aprendices de brujo han desencadenado las furias del Averno por jugar con la madre naturaleza, el villano es un especulador, un capitalista que para enriquecerse provoca desastres naturales y no es castigado con la muerte, como en el cine estadounidense de raíz cristiana, sino que se da cuenta de que ha hecho año a su país y se arrepiente según la tradición taoista.
Nos encontramos con un producto de otra cultura y así es cómo lo debemos ver. En realidad es un reflejo de la conciencia de un país vencido y humillado carente de rencor, fiel a su religión que analiza y reflexiona pero que no cae nunca en el esquemático maniqueísmo.

Películas de Mothra
Mothra (1961)
Godzilla vs. Mothra (1964)
Ghidorah, the Three-Headed Monster (1964)
Godzilla vs. the Sea Monster (1966)
Destroy All Monsters (1968)
Godzilla vs. Gigan (1972) (stock footage)
Godzilla and Mothra: The Battle for Earth (1992)
Monster Planet Of Godzilla (1994)
Godzilla vs. SpaceGodzilla (1994) (also as "Fairy Mothra")
Rebirth of Mothra (1996) (also as "Mothra Leo")
Godzilla Island (1997)
Rebirth of Mothra II (1997) (as "Mothra Leo", "Rainbow Mothra", and "Aqua Mothra")
Rebirth of Mothra III (1998) (as "Mothra Leo", "Rainbow Mothra", "Aqua Mothra", "Light Speed Mothra", "Armor Mothra", and "Eternal Mothra")
Godzilla, Mothra and King Ghidorah: Giant Monsters All-Out Attack (2001)
Godzilla Against Mechagodzilla (2002) (stock footage)
Godzilla: Tokyo S.O.S. (2003)
Godzilla: Final Wars (2004)

LAS COSMOS

Keiko Imamura & Sayaka Osawa

Éstas son las Cosmos, las diminutas sacerdotisas cantantes de Mothra en los años 90. Las Peanuts ya se habían retirado en 1975 y se buscaron sucesoras que siguieron gozando del favor popular. Su misión es salvaguardar el equilibrio del Universo.

THE PEANUTS

Nacieron en Japón el 1 de abril de 1941. Evidentemente son hermanas gemelas. Famosas en el mundo de la música pop en los años 60 saltaron al cine en las películas de Mothra, la mariposa gigante de la Toho. Se llamaban Emi y Yumi, yo no sé quién es una y quién otra.
Aparecieron en las tres primeras entregas de la mariposa gigante y acabaron por robarle la película. Fueron unas de las pioneras del pop en el ex Imperio del Sol Naciente, del Japón americanizado y consumista que acabó por desplazar a Rusia (ex Unión Soviética) del segundo puesto en la Economía Mundial. Hasta 1975 grabaron muchos discos y su legión de fans era incontables.

LA CANCIÓN DE MOTHRA

Cuando Curt Jurgens recorrió las estepas

2011-08-08T15:33:00.004Z

MIGUEL STROGOFF,
EL CORREO DEL ZAR (1956)

Miguel Strogoff, el correo del zar ( "Michel Strogoff. De Moscou à Irkoutsk") es el título de una novela del escritor francés Jules Verne. Publicada en la "Magasin d’Education et de Récréation" ("Magazín de ilustración y recreo") desde el 1 de enero (volumen 23, número 265) hasta el 15 de diciembre de 1876 (volumen 24, número 288). Íntegramente, como un volumen doble, el 13 de noviembre del mismo año.

La novela de Julio Verne Miguel Strogoff, el correo del zar fue una de las más exitosas junto a La vuelta al mundo en 80 días y por eso no es de extrañar que el cine se interesara por las aventuras de ese militar zarista, indisciplinado y pendenciero, que debe recorrer las estepas rusas para entregar un mensaje al hermano del zar.
Debe de atravesar un terreno muy peligroso, las tribus tártaras se han levantado.
En 1956 Carmine Gallone rodó la adaptación más conocida de la novela aunque desde un punto de vista cinematográfico esté lejos de ser una obra maestra. Al contrario, adolece de lentitud y puntos muertos, no sacando provecho ni del paisaje ni de las innumerables peripecias del viaje.
Para encarnar al famoso aventurero se llamó al pétreo actor alemán Curd Jurgens, muy famoso en aquella época, ayudado por un generoso cinemascope, entonces una novedad técnica que encandilaba las plateas, y era ayudado por una mujer que se hacía pasar por su esposa. Nos encontramos con una grata sorpresa, Geneviève Page, la Doña Urraca de El Cid, una actriz de agradable presencia que sabe dulcificar las aventuras arriesgadas del inquieto capitán cosaco.
Como antagonistas otras dos sorpresas, Valéry Inkijinoff, el héroe de Tempestad sobre Asia, el alegato antiimperialista que aquí parece haberse pasado al otro bando ideológico, y la sinpar croata Sylva Koscina.
Decíamos que la película está lejos de ser redonda. El montaje es pésimo, hay muchos puntos muertos, escenas inútiles que se pierden en nada, el director parece inadecuado. Jurgens era un actor poco expresivo aunque encaja a la perfección con el físico del héroe verniano.

Geneviève Page y Curd Jurgens

Destaca la escena de arranque de la película, la mejor secuencia para mi gusto. Las hordas tártaras marchando mientras los postes de telégrafos son arrancados uno a uno. A pesar de sus defectos, de su falta de dinamismo, la película se convirtió en un referente para muchos cinéfilos que han disfrutado de su proyección a lo largo de su vida. Se ha convertido en un clásico de toda la vida, editado en DVD de forma harto lamentable, y en un título que aunque no es sólido si es entrañable pese a sus innumerables defectos cinematográficos.

Curd Jurgens

Sylvia Koscina

En la aventura verniana nos encontramos a dos reporteros (franceses por supuesto) que se dedican a ver las aventuras de Strogoff, que se hace pasar por un comerciante, a través de sus ojos. Un periodista es de izquierdas y otro de derechas, pero pese a sus diferencias ideológicas se entienden y se ayudan mutuamente.
Las estepas rusas son sustituidas por la ex Yugoeslavia, un país destruido hace pocas décadas, que en cierto modo muestran su parecido al de la entonces Unión Soviética. Tal vez este gobierno debía considerar imperialista las aventuras del correo del zar, tal vez es un paisaje cuyo clima sea poco adecuado para un rodaje occidental.
El éxito comercial provocó una secuela, Las nuevas aventuras de Miguel Strogoff donde por arte de birlibirloque desaparece el papel de la anterior protagonista que acaba por contraer matrimonio con nuestro héroe ahora ascendido a coronel. La aventura es poco verniana, pero esa narración recuerda a Beau Geste cambiando los desiertos árabes por el sur de Rusia en la época del imperio otomano o turcomano. Valéry Inkijinoff regresa aunque en un papel distinto y aún más episódico. Capucine es el nuevo amor de Strogoff, aunque echamos de menos al de la anterior película de cuyo destino no se dice nada.
Una maniobra comercial sin más y un título que jamás pasará a la historia. Esperemos que tarde o temprano tengamos una versión definitiva de la trepidante novela del gran Verne.

Miguel Strogoff
Título original: Michel Strogoff
Idioma: Francés
Género: Aventuras. Histórico
País: Francia, Italia, Alemania, Yugoslavia
Duración: 111 minutos
Año: 1956
Director: Carmine Gallone
Guión: Marc-Gilbert Sauvajon
Reparto: Curd Jürgens (Miguel Strogoff), Geneviève Page (Nadia Fédor), Valéry Inkijinoff (Feofar Khan), Henri Nassiet (Ivan Ogareff), Sylva Koscina (Sangarra), Gérard Buhr (Henry Blount), Jean Parédès (Alcide Jolivet), Jacques Dacqmine (El Gran Duque), Louis Arbessier (Zar Alejandro II), Michel Etcheverry (General Krisloff), Sylvie (Marfa, madre de Strogoff) Productor: Louis Wipf
Música: Norbert Glanzberg
Fotografía: Robert Lefebvre
Casa productora: Illiria Film

Nuevas aventuras de Miguel Strogoff
Título original: Le triomphe de Michel Strogoff
Idioma: Francés
Género: Aventura
País: Francia, Italia
Año: 1961
Duración: 118 minutos
Director: Viktor Tourjansky
Guión: Marc-Gilbert Sauvajon
Reparto: Curd Jürgens (Miguel Strogoff), Jacques Bézard, Capucine, Daniel Emilfork, Raymond Gérôme, Valéry Inkijinoff, Georges Lycan, Pierre Massimi, Pierre Mirat, Henri Nassiet, Albert Pierjac, Claude Titre, Simone Valère
Música: Christian Chevallier, Hubert Giraud
Fotografía: Edmond Séchan
Casa Productora: Fono Roma

El rostro oculto baja la máscara de simio

2011-08-07T14:05:00.004Z

RODDY McDOWALL

Roddy fue César en
la rebelión de los simios

Roderick Andrew Anthony Jude McDowall (17 de septiembre de 1928 – 3 de octubre de 1998) fue un actor inglés, posteriormente naturalizado estadounidense. Debutó de niño en el cine en películas como La cadena invisible o Qué verde era mi valle, ya que su familia se vio obligada a huir a los Estados Unidos por la guerra.
Fue de los pocos niños prodigio que sobrevivió a la edad adulta en el mundo del espectáculo en el que permaneció durante todo el resto de su vida aunque con diferentes oficios como fotógrafo, restaurador de películas (por ejemplo Cleopatra, a la que añadió todas las secuencias cortadas por el productor para aligerar el metraje) e incluso director. Pero para nosotros fue Aurelio, el marido de la doctora Zira en dos ocasiones, El planeta de los simios y La huida del planeta de los simios. Luego fue César en las dos siguientes entregas y Galen en la serie para TV que no funcionó tal como sabemos.
Su nombre estará para siempre ligado al planeta de los simios con letras de oro por su implicación en la misma y por correr con dos personajes capitales como fueron Aurelio y su hijo César.
En cine le recordamos también por otros papeles importantes como el díptico Noche de Miedo o el César Augusto de Cleopatra. Nunca fue una estrella pero tampoco lo buscó viviendo siempre una vida discreta. Fue homosexual y evitó siempre que su condición sexual saliera en la prensa por lo que jamás apareció en revistas basadas en contar intimidades. Tal vez su discreción le permitió sobrevivir en la jungla de Hollywood, pero es que además fue siempre un actor muy eficaz que supo cumplir con su cometido fuera cual fuera. Amigo íntimo y confidente de Elizabeth Taylor, Roddy se convirtió en figura imprescindible en toda clase de películas manteniendo siempre su discreción británica.

La cadena invisible (1943)

Con su amiga Elizabeth Taylor

Noche de miedo

Con Kim Hunter
El planeta de los simios

Con Bradford Dillman
La huida del planeta de los simios

Con Natalie Trundy
La conquista del planeta de los simios

La viuda de Arthur P. Jacobs

2011-08-07T09:26:00.003Z

NATALIE TRUNDY

Natalie Trundy

Natalie Trundy nació un 15 de agosto de 1940 en Boston. Debutó adolescente en series de TV y en 1969 se convirtió en Albina, la mutante rubia de El regreso del planeta de los simios. llamó la atención del productor de la serie, Arthur P. Jacobs, quien se casó con ella, apareciendo en los siguientes títulos de la saga en papeles diferentes. En La huida... fue la doctora Branton y en las dos siguientes Lisa, la novia primero y después esposa del líder simiesco César.
Al fallecer Jacobs de forma prematura en junio de 1973, con sólo 50 años, se convirtió en la productora ejecutiva de la firma de su esposo. La APJAC Productions que se se ha encargado de llevar a la pantalla esta serie y otras películas sobre la obra de Mark Twain.

El matrimonio Jacobs (Arthur y Natalie)

Natalie como Albina

Natalie con Victor Buono
El regreso al planeta de los simios

Lisa en las dos últimas de la saga
Arthur P. Jacobs besa a su esposa Natalie
La conquista del planeta de los simios

Las mujeres de la serie simiesca

2011-08-07T08:27:00.009Z

LAS "MONADAS" DE LOS SIMIOS

Estelle Warren

La chica humana del remake de Burton, muy desdibujada en el guión. Exhibía su buen tipo pero nada más. La simia le robaba protagonismo como ocurría en la versión de 1968 pero no de forma tan descarada.

Dianne Stanley

Dianne Stanley es tal vez una de las actrices más desafortunadas de la historia del cine. Debutó en El planeta de los simios (1968) como la doctora Stewart, uno de los cuatro astronautas que viajan en la nave que aterrizaba en el planeta de los simios, pero Taylor descubre que ha fallecido durante el viaje. Aparecía en la secuencia inicial con los astronautas entrando en la nave pero una decisión final la eliminó del montaje y no la pudimos ver. Rodó otras dos películas y no la llamaron más. Lástima.

Freida Pinto

Freida Pinto, conocida en El origen del planeta de los simios y antes en Slumdog Millionaire. Es veterinaria como la doctora Zira, César se queda prendado de ella y en cierto modo le hace de celestino.

Linda Harrison en 1968

Linda Harrison en la versión de 2001

Cuando Richard Zanuck entró en la sala de proyección de las primeras tomas de la versión de 1968 exclamó: "¡Qué mal han maquillado a esa chica! ¡qué horrorosa está!". Meses después la pidió en matrimonio. Linda no hizo carrera en el cine, en casa y con la pata quebrada. Su carrerón fue el estar casada con Zanuck y ambos fueron despedidos de la Fox tiempo después por la cantidad de fracasos de la productora.

Kim Hunter

Hay una leyenda urbana que cuenta que Charlton Heston al llegar al estreno de la versión de 1968 se encontró con una mujer hermosa que le abrazó y le besó. Heston, sorprendido, le preguntó: "¿quién eres?". "¿No me reconoces? Yo he trabajado contigo en esta película". Era Kim Hunter, la doctora Zira que apareció en las dos continuaciones siguientes y triunfó en esta película aunque anteriormente ganara un oscar por Un tranvía llamado deseo y fuera pareja de David Niven en A vida o muerte y con Humphrey Bogart en El cuarto poder.
En Broadway fue una leyenda del teatro, pero Hollywood desperdició su gran talento.
En la versión de 1968 se hicieron pruebas de sacar un bebé medio humano medio simio, hijo de Taylor y Zira, pero finalmente los estudios no tuvieron valor de dar ese paso.

Helena Bonham Carter

Helena Bonham Carter, amada por unos y odiada por otros, es la musa y pareja del frikkie Tim Burton. quien la convirtió en protagonista de la versión del 2001. Fue la simia Ari, la doctora chimpancé, una "animalista" convencida a la que se insinúa un romance con el astronauta humano.
Curiosamente en la misma película, Burton sacó a un anterior pareja en el segundo papel de simia a Lisa Marie.

Lisa Marie

La anterior pareja de Burton era una chimpancé con prejuicios y aburguesada en la versión frikkie de 2001. A mí me hubiera gustado más verla en taparrabos como humana porque tiene más personalidad que la actriz rubia vista más arriba, pero los estudios imponen su dictadura o tal vez Burton confió poco en ella. Lástima.

Un clásico de la ciencia ficción

2011-08-07T06:54:00.004Z

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (1968)

En 1963 el escritor francés Pierre Boulle (Aviñón, 21 de febrero de 1912 - París, 30 de enero de 1994) publicó una novela que iba que dar mucho hablar. Le planete des singes o El planeta de los simios, en la que un astronauta francés, Ulises Merou, viaja por el espacio y aterriza en un planeta en que los humanos van completamente desnudos y son irracionales, en cambio los simios hablan y van vestidos, montan en caballo y viajan en aviones. La novela comienza con una pareja de simios astronautas que viajan por el espacio y encuentran un diario en el interior de una cápsula especial en la que Merou cuenta su epopeya.
Al llegar al planeta de los simios es capturado en una cacería que extermina a muchos humanos y es llevado a unos laboratorios donde la doctora Zira, una científica chimpancé analiza la especie humana. Le asignan una pareja, Nova, y va aprendiendo lentamente el lenguaje de los simios hasta poderse entender con los mismos...

Kim Hunter, Roddy McDowall, Charlton Heston

La novela interesó mucho a Arthur P. Jacons que se apresuró a comprar los derechos y se dedicó a darle la lata a Richard Zanuck que nada quería saber del asunto. Se pasaba por sus oficinas diciéndole: "¿y los monos?", "¡no interesan!" respondía. Jacobs ya había tenido problemas con su primera película, Ella y sus maridos (1963) con Marilyn Monroe y Dick Van Dyke, que había sufrido retrasos por el despido de la actriz y su posterior suicidio que es un misterio todavía no desvelado. Fue sustituida por Shirley McLaine y obtuvo un éxito más bien moderado.
Jacobs continuó luchando por la película, charlton Heston se interesó por el proyecto y entonces Richard Zanuck reconsideró su posición. Se rodó primero una prueba con Edward G. Robinson y Charlton Heston que convenció finalmente a Zanuck pero el guión original no le gustaba porque era demasiado costoso. Rod Serling escribió una versión al estilo Dimensión desconocida que era considerado algo tétrica, por lo que Michael Wilson le añadió humor y ese tono satírico, esa parodia de la raza humana y ese toque brechniano como el interrogatorio de Zaius a Taylor que recuerda al Galileo Galilei.
Así que la película vio la luz y ante la sorpresa de la Fox, que trató el proyecto con desdén, se convirtió en un éxito de taquilla sin precedentes que salvó a la productora de la quiebra.
El guión cambia el nombre y la nacionalidad del astronauta convirtiéndole en Taylor y norteamericano, no faltaría más, y la sociedad simia no está tan avanzada como en la novela. Los humanos van vestidos con pieles malolientes, la censura no permitió que fueran completamente desnudos como en la novela.
Heston, especialista en cine épico, fue un espléndido Taylor, apoyado por un buen elenco, el shakesperiano Maurice Evans fue un malvado doctor Zaius, Roddy McDowall el chimpancé Cornelius (Aurelio en la versión española) y la oscarizada Kim Hunter la progresista doctora Zira.
Eran otros tiempos y entonces la contestación por la guerra del Vietnam y la desconfianza en el sistema imperialista y capitalista estaba a la orden del día, incluso se liberalizó la mente de los ciudadanos alrededor del mundo, las protestas estudiantiles, el mayo de 1968 y el movimiento hippie, las protestas contra la guerra del Vietnam llenaban los diarios de noticias.
Por eso, la película que nos ocupa tiene ese tono contestatario y liberal. Franklin J Schaffner, director de El señor de la guerra con Heston, un muy recomendable film medieval, ayudado por el guionista Michael Wilson (antiguo represaliado por la Caza de Brujas del senador McCarthy) supieron darle ese tono filosófico ausente en la versión del frikkie Tim Burton en 2001.
El doctor Zaius no es un zoquete obtuso, es un ser perverso que descubre que antes que la civilización simia hubo la humana y oculta la verdad a su pueblo, se convierte en un inquisidor interesado. Aunque el guión en cierto modo le justifica, actúa por miedo y no por intereses egoístas ni por cerrajón mental. Los chimpancés Aurelio y Zira son científicos y no pueden cerrar los ojos ante lo que es evidente. Taylor está desconcertado por lo que está viviendo. La secuencia del interrogatorio ante el tribunal es antológica, los orangutanes no quieren aceptar lo obvio.
Schaffner muestra una sociedad encerrada en sí misma, que no acepta nada que contradice sus dogmas y que está cerrada en un sistema racista y clasista. En realidad es un reflejo de la humanidad que conocemos que por ignorancia va al desastre.
El final es muy impactante aunque no comprendemos cómo Taylor no descubre que estamos en el planeta Tierra al oír a los simios hablar en un perfecto inglés.
El enorme éxito provocó que se rodaran cuatro secuelas, dos series de televisión, un remake mediocre de Tim Burton, pero no ha sido hasta la reciente El origen del planeta de los simios (2011) de Rupert Wyatt que nos hemos encontrado con otra película importante de la ya famosa saga.

La pareja humana humillada
Charlton Heston y Linda Harrison

Heston y Linda Harrison

El polémico beso de Taylor con la doctora Zira
"Eres tan horroroso" dice ella

Roddy McDowall, Kim Hunter, Charlton Heston

El planeta de los simios (1968)
Planet of the Apes
Año de producción: 1968
País: EE.UU.
Dirección: Franklin J. Schaffner
Intérpretes: Charlton Heston, Roddy McDowall, Kim Hunter, Maurice Evans, James Whitmore, James Daly, Linda Harrison, Robert Gunner, Lou Wagner
Argumento: Pierre Boulle (novela)
Guión: Michael Wilson, Rod Serling
Música: Jerry Goldsmith
Fotografía: Leon Shamroy
Distribuye en DVD: Fox
Duración: 112 min.
Público apropiado: Jóvenes-adultos
Género: Ciencia ficción

La saga simia renace por fin

2011-08-05T21:13:00.005Z

EL ORIGEN DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
(2011)

Hace muchos años que se habla de este proyecto, un remake de La rebelión de los simios (1972), la cuarta entrega de la serie original producida por Arthur P. Jacobs para la 20th Century Fox, propietarios de la franquicia que tantos dividendos le dio en el pasado salvándoles de la quiebra en un momento muy delicado.
Pero este proyecto por diversas razones nunca cuajaba. Jamie Moss y Scott Frankson escribieron un guión llamado Genesis: Ape que jamás vio la luz de los focos hasta que por fin el proyecto cambió de manos y Amanda Silver y Rick Jaffase hicieron cargo de la nueva versión dirigida por Rupert Wyat.

Andy Serkis

Los fans de la famosa saga estábamos decepcionados con la mediocre versión de Tim Burton, muy desangelada, sin brillo y sin personalidad. Había algunos avances técnicos respecto a la versión de 1968 pero nada más. El guión era un retroceso abismal respecto al redactado por Rod Serling y Michael Wilson. Todos creíamos ya la saga perdida hasta que este proyecto la ha revitalizado con un episodio trepidante, repleto de nuevas ideas y una técnica mucho más avanzada que ha permitido mostrar aquellos efectos que por dificultades coyunturales no se podía ni siquiera sugerir en pantalla.
Pero ya se sabe que sin un buen guión los mejores efectos especiales no son más que fuegos artificiales, El origen del planeta de los simios lava la cara y es la mejor película desde el inicio de la saga original en 1968. Las secuelas eran películas simpáticas aunque poco sólidas industrialmente porque la Fox invertía cada vez menos en producción provocando una triste situación de pobreza, a la vez que se recurría a temas muy rebuscados para continuarla.

Así nos encontramos con una historia creíble, un laboratorio que busca la cura del Alzheimer, esa terrible enfermedad que destruye las células del cerebro borrando recuerdos de las personas que acaban por convertirse en espectros de sí mismas. Así que van utilizando simios como cobayas.

Afortunadamente esta nueva adaptación carece del infantilismo de La rebelión de los simios, donde mostraba un Estado policial de corte fascista, y una escasez de recursos evidentes, porque la evolución técnica es espectacular y la pericia del director consigue un ritmo trepidante, frenético, que llega a emocionar profundamente al espectador.
Cambia las motivaciones de la rebelión, en este caso se busca la supervivencia unicamente. Este nuevo César no actúa como un Lenin de opereta con un discurso final incendiario, sino que buscan la libertad sin agredir a nadie.
La película tiene muchos puntos para analizar tras ser vista en varias revisiones más. Pero para nosotros, los seguidores de la saga, supone en primer lugar una grata sorpresa, y en segundo una gran alegría al contemplar el resurgir de una serie que andaba mucho tiempo perdida y desorientada. Probablemente este no sea el último episodio por lo que estaremos en espera de nuevas entregas con total expectación.

Andy Serkis y James Franco

Andy Serkis

Título: El origen del Planeta de los Simios
Título original: Rise of the Planet of the Apes
País: USA
Estreno en USA: 05/08/2011
Estreno en España: 05/08/2011
Productora: 20th Century Fox
Director: Rupert Wyatt
Guión: Amanda Silver, Rick Jaffa
Reparto: James Franco, John Lithgow, Freida Pinto, Andy Serkis, Brian Cox, Tom Felton, David Oyelowo

El nuevo multirostro

2011-08-05T20:44:00.007Z

ANDY SERKIS

Andy Serkis

Andy Serkis nació el 20 abril 1964, Ruislip, London, England, Reino Unido. Pronunciar ese nombre no dirá nada a nadie, pero su presencia es muy popular en el cine fantástico de los últimos años. Fue Smeagol y Gollum en la trilogía de El Señor de los anillos y repetirá papel en el díptico El Hobbitt actualmente en rodaje. ¿Quién no recordará aquella frase de "¡mi tesorooooo!" con ojos endemoniados. Un ser patético y diabólico al mismo tiempo.
Acaba de estrenarse El origen del planeta de los simios interpretando a César, el chimpancé revolucionario. Conviene por fin descubrir el rostro que hay tras la máscara del mocap, el traje de captura que utiliza para interpretar a esos personajes construidos por ordenador.
Pronto le veremos como capitán Haddock en Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011)

En "King Kong" fue el cocinero de la expedición y el gigantesco gorila

El siniestro Gollum

Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio (2011)

César en El origen del planeta de los simios (2011)